Hace un par de años, y siempre por estas
fechas, abrías cualquier periódico y podías encontrar una o varias noticias
donde se reivindicaba la presencia de músicos locales, escasa en nuestros
festivales foráneos, como parece ser no sucedía en otros países más
civilizados… Este era tema obligado en cualquier entrevista a los músicos
valencianos de jazz en época de festivales.Desde hace un par de años justamente esta tendencia se ha invertido, y
como no… ahora la prensa brama en contra de esta nueva tendencia, argumentando
el fin, al menos del adjetivo“internacional” que se solía adjuntar al lado del nombre de la población
de turno.
Ya hemos oído estas críticas con
respecto al XXI Festival de Jazz del Palau y también acerca del XIV Festival
“Internacional” de Jazz de Peñíscola. El problema reside, en este último caso, en que hay un
escenario paralelo: Jazz a la Serena, donde actúan “los músicos valencianos” con sus habituales caches y
condiciones… y el gran escenario del Palacio de Congresos de Peñíscola donde se
solía acoger a las figuras “Internacionales”.
Personalmente
no conozco, la nueva situación política, ni si esto ha supuesto una merma de
presupuesto, el año pasado actuóDiana
Krall y Madeleine Peyroux… pero este año hemos tenido “Compendium” de Jesús Santandreu al frente
de SedaJazz “all Stars” y la “Soleo” Band de Ximo Tébar cargadita de bombo con el pianista cubano Luis Guerra, la vuelta a los escenarios del súper bajista
eléctrico valenciano César Giner y Nathaniel Townsley a la batería. Quizás esta
sea una posible fórmula de conciliación entre lo internacional y lo local,
mezclando plantillas, e invitando a solistas internacionales como aconteció con
la presentación valenciana de la obra de Santandreu en el festival del Palau,
estreno compartido con un doble programa por parte de la Sedajazz Big Band
quien completó la jornada con la presencia y dirección del “padre” de la
trompeta moderna Jack Walrath.
Con respecto a esta segunda presentación valenciana de “Compendium” os
emplazo a que leáis la entrevista que le realicé al autor, publicada en este
mismo diario el pasado mes de Julio bajo el epígrafe: “Compendium”, amalgama
de ideas. “Jesús Santandreu y Sedajazz Big Band se rodean de la “plana mayor”
del jazz valenciano para interpretar su última obra en el Palau de la Música.
Sin duda la obra más ambiciosa jamás escrita para big band en Valencia (aunque
me atrevería a decir en España), ya que, por si no lo sabéis tenemos la big
band más potente de la nación…, lo dicho leer el artículo del pasado número
especial del periódico…
No obstante son muchos los aficionados al jazz que echan de menos las
programaciones “estelares” de pasados años organizadas por el promotor
internacional Julio Martí. Algunas de las propuestas, además de las ya
apuntadas como las dobles programaciones con teloneros y las invitaciones a
solistas internacionales, consistirían en programas de intercambios con otros
países y programadores, y las quejas más comunes que hemos podido recoger por
parte de los músicos, versan en general, sobre
los cachés que se pagana los músicos locales no está a la altura en
comparación con los que se pagan a los músicos importados.
Por otro lado la afición, igualmente de manera general, argumenta que
durante todo el año tenemos ocasión de ver a nuestros músicos, y que los
festivales de verano son para ver a artistas menos habituales, respaldando esta
opinión se argumenta que: lo que tienen que hacer los músicos locales es
proyectar su carrera a nivel internacional, eso sí con ayuda y apoyo
de las instituciones, pero no con subvenciones.
Hoy tenemos un gran nivel de músicos de jazz en Valencia, el próximo
paso es que se abran a otros circuitos y festivales internacionales porque
estoy seguro que tienen nivel para que así sea, a lo mejor lo que hace falta es
estructura comercial, ¿Por qué no un festival veraniego del estilo de Donostia,
Vitoria y Getxo?
El sábado
8 de julio del 2017, asistimos a un nuevo hito en el marco de la 21 edición del Festival de Jazz al Palau de La Música: el estreno valenciano de la obra para
big band de gran formato (más de 40 minutos) “Compendium” de Jesús Santandreu
al frente de la Sedajazz Big Band, que contó además de con la “plana mayor del
jazz valenciano”, con la participación como músico invitado del padre de la
trompeta moderna: Jack Walrath.
Esta misma formación se encargó posteriormente de la la grabación del Cd que acaba de ver la luz en el sello de Sedajazz, pero realmente la obra tenía una historia mucho más larga...
Recupero a continuación una entrevista que le realice al autor con motivo del estreno valenciano y que fué publicada en el periódico lasBandas el pasado mes de Julio del 2017.
Compendium
Conversaciones con
Jesús Santandreu
José
Pruñonosa 20/06/17
1
Compendium Estreno Absoluto. Foto cedida por Jesús Santandreu
José Pruñonosa: El pasado 17 de marzo tuvo lugar el estreno absoluto
de tu obra para big band de gran formato “Compendium” en la sala Turina del
auditorio de Sevilla por parte de la Andalucía Big Band. ¿Este estreno fue
fruto de un encargo por parte de esta formación?
Jesús Santandreu: “Compendium” es una pieza que quería escribir ya
hace mucho tiempo. Llevaba dándole vueltas a la posibilidad de realizar una
obra de gran formato para big band intentando prescindir de un diseño
compositivo previo. Empecé a escribir una línea, sumando ideas y buscando un “leitmotiv”
que sirviera de nexo de unión y me puse a orquestar. Tardé tres años en
realizar esta obra, porque no estuve trabajando constantemente en ella. Cuando
estuve como compositor residente y director asistente en la Dunshan Symphonic
Wind Orchestra de China no trabajé en
ella durante 10 meses. La obra surgió a raíz
de terminar mis estudios de composición y dirección en la MTSU (Middle
Tennessee State University) de Murfreesboro en Nashville (Tennessee), empecé a
escribirla después de llegar a casa la primera noche. Fue un reto, intenté
poner a prueba lo que podía dar de sí mi imaginación.
2
Jesús Santandreu al frente de la Andalucía Big Band. Foto cedida por Antonio
Torres Olivera
JP: ¿Quizás de ahí viene el título “Compendium”?
JS:
Exactamente,
el título hace referencia al compendio
de ideas que amalgamé en la creación de esta obra. Intenté quitarme al “miedo a
componer” y empezar a escribir compulsivamente sin saber exactamente lo que
buscaba.
JP:
¿Cómo
aconteció el interés de la Andalucía Big Band por estrenar esta obra?
JS:
Estuve tocando
el pasado año con ellos, me faltaba poco para acabarla y surgió la propuesta
por parte de esta formación. Hicieron un trabajo inmenso, es una obra en la que
básicamente no hay improvisación, está todo escrito y esto la diferencia de
otras obras del mismo género.
JP:
El próximo
sábado 8 de julio se estrena en el marco del XXI Festival de Jazz del Palau, en
la que estarás dirigiendo a la Sedajazz Big Band con los más importantes
músicos de la escena valenciana. Se trata de un doble programa ¿Qué repertorio
interpretareis en la segunda parte del concierto?
JS: Para tocar “Compendium” hemos elegido a la “plana mayor” del jazz
valenciano: Perico Sambeat, Vicente Macián, Alexey León, Latino, Joan Benavent,
en los metales tenemos a Voro García, Raul Chocolate, Pep Zaragoza, Toni
Berenguer… están todos.
En la segunda parte contaremos con la misma
formación, aunque aún no sé si dirigiré yo, o me sumaré a la cuerda de saxos, y
tendremos como invitado a Jack Walrath,
que estuvo con la big band de Mingus mucho tiempo, yo creo que es el padre de
la trompeta moderna. En la segunda parte del concierto interpretaremos sus
arreglos para big band.
JP:
¿Cómo se
relaciona esta pieza para big band de más de 40 minutos en el cómputo global de
tus obras sinfónicas?
JS:
Imagino que
siempre hay una evolución… Lo que tengo claro es que quiero ir hacia un proceso
de creación más espontaneo, aunque después el trabajo de orquestación sea más
elaborado, pero partiendo de una gestación intuitiva.
JP:
Seguramente
detrás de esta espontaneidad aparente estará todo tu bagaje como compositor,
como improvisador, y también últimamente como director tanto de formaciones clásicas
como jazzísticas…
JS:
No estoy
seguro…, esta es una pieza para big band dentro de los canones de esta
estética, puede ser que haya algunas texturas no tan jazzy…, se trata
básicamente de una obra jazzística. En esta pieza trato de experimentar hasta
qué punto se puede mantener un clímax inacabable. Es posible que en un
principio el germen de este pensamiento viniera de la obra sinfónica de Mahler,
de su capacidad de desarrollo. Cada vez que escribo una pieza intento no
repetirme, intento expresar otros conceptos.
JP: Muchas gracias Jesús por tu atención,espero que sea todo un éxito y ahí nos
tendrás el día 8 de julio en el Palau para asistir al estreno valenciano.
El martes 8 de
Julio de 1997, a las diez y media de la noche la Ximo Tébar Band ponía el
acento valenciano al recién inaugurado Festival de jazz de València en su
primera edición, hace ahora justamente 22 años. Realmente Graham Foster, otro
de los invitados en aquella primera ocasión, también estaba por entonces
radicado en Valencia con su “Major Blues Band”. Las otras figuras del escueto Festival
internacional fueron: Chick Corea con Gary Burton, Joe Henderson y Ray Charles.
Visto lo visto, ha llovido mucho desde aquel año, para que ahora, en esta 22
edición hayamos contado con un total de 25 actuaciones que se han unido al 19
seminari internacional de jazz al Palau. Si en estos 22 años ha cambiado
cuantiosamente la cantidad de jazzmen y aficionados valencianos, para sustentar
estas 25 actuaciones, lo que no ha cambiado es la intención de “agradar a todo
el mundo” que ya se traslucía en aquella primera edición del año 97.
Esta 22 edición la ha abierto la “Orquestra de València”,
cuya participación se está asentando como costumbre, dirigida por su nuevo
director titular Ramón Tebar y con el pianista Nachito Herrera como arreglista
y solista. Esta formación debutó en el Festival el pasado año dirigida por Jesús Santandreu,
quien en esta ocasión ha dirigido a la Banda Municipal de Valencia, que se une
a esta celebración con el tradicional concierto gratuito en los jardines del
Palau, y que en esta ocasión se estrenó con un conciertodirigido por David Pastor de la gran banda
femenina Micaela ChalmetaBig Band.
También en esta 22 edición se han asentado los
conciertos paralelos al Palau: “Jazz als barris i pobles”, con 8 conciertos en
las plazas y paseos, por los que han desfilado: Mauri Sanchis, Cristina Blasco,
Kontxi Lorente, Chema Peñalver, BRB, Blau Barba, The Prototype y Nina Dinamita,
liderando las formaciones valencianas
que se han unido a las estrellas nacionales e internacionales “a partes
iguales” que han recorrido ambas salas del Palau: Clasijazz Big Band “Epitaph
de Charles Mingus”, Berklee València Faculty All Stars, Ron Carter, Pat
Metheny, Lambchop, Salvador Sobral, Kenny Garret , Al di Meola, Brad Mehldau,
Antonio Lizana, Amparo Sánchez (Amparanoia), Voro García, Perico Sambeat, Buika,
Benny Golson, y este pasado martes 17 cerrando el festival Ximo Tébar nos
presentó su nuevo disco.
Tebar
tiene una marcada tendencia a lo cíclico. En este disco: “Con Alma & United” estemos
asistiendo a la gestación de un nuevo trabajo basado en la recreación, siempre
peculiar y progresiva de estándars, que nos retrotrae a sus mejores trabajos en esta
línea: “Eclipse” (2005) y “Steps” (2008). Uniendo “en cuerpo y con alma” los estándars de Wayne Shorter, (con la colaboración de Jorge Pardo) y de Dizzy Gillespie, con la neoyorquina
colaboración de Arturo O’Farrill, en una nueva vuelta de tuerca a la carrera de
nuestro guitarrista: del Son Mediterráneo al Mainstream Progresivo.
La nueva Ximo Tébar Band está compuesta, ya desde la
pasada gira “Soleo”, por Victor Merlo, director musical de Sabina y Serrat, al
bajo,Nathaniel Townsley,
batería de Joe Zawinul, y en estas últimas giras de Alejandro Sanz, a la batería y
Guille Tébar con el sobrenombre artístico de Will Martz a los teclados y scats
vocales. En la banda ha faltado en esta ocasión el músico cubano Luis Guerra al piano, que se encontró esa misma noche
en los Viveros acompañando a Niña Pastori, lo cual, una vez más nos recuerda
que el jazz y las grandes atracciones comparten músicos pero no cachés…
La actuación ha comenzado a solo por el maestro con
una cadencia flamencaque ha desembocado
de manera natural en el brasileiro estándar
de LuizBonfa “Manha de Carnaval”, única
pieza que no se encuentra en el nuevo Cd.Seguidamente hemos podido disfrutar de manera ininterrumpida de los
arreglos de los dos estándars de Guillespie y Shorterque dan nombre el Cd: “Con Alma & United”,
anticipados por la entrada de Nathaniel, que ha dado paso a la característica
pseudo-bulería, un tanto sambera, intercalada de coros swing.Tras la exposición, solo de Victor Merlo y su
“Sadowsky” que ha sonado de maravilla a los mandos del también veterano Jorge
Pérez Soria. La amalgama flamenco-sambera, característica rítmica del “Son
Mediterráneo”, se ha mantenido constante. –Es el segundo tema y el público ya
jalea la exposición con palmas– Impresionante el primer solo de Nathaniel por
“alegrías brasileiras”.
Como contrapunto, a continuación, se ha interpretado
otro pequeño “popurrí” con dos piezas del anterior trabajo, uniendo el clásico
“Son Mediterráneo” con “Soleo”, a modo de recreación de la estética que dio
fama internacional al guitarrista. –Tercer tema y el público coreando los riffs
de guitarra–
El puente entre las estéticas de ambos discos: “del Son Mediterráneo al Mainstream Progresivo”
lo ha puesto el obligado “Adagio del Concierto de Aranjuez”, haciendo honor
doblemente a la Sala Rodrigo del Palau, ya que la pieza se ha introducido en
esta ocasión con un flamenco detalle de “Por
los campos de España”, concretamente con el arranque del primer
tiempo “Por los trigales”.
Sorpresivamente, Guille a los sintetizadores, ha enlazado con la intro del
“Deborah’s Theme” (Once upon a time in America) de Ennio Morricone, mientras su
padre “jugueteaba” a la guitarra con la "Rhapsody in Blue" de Gershwin para dar paso al tema
estrella del disco: “Take Five”, homenaje a All Jarreau. –Vía libre en cinco por cuatro al
punto clímax del espectáculo–El
público corea de nuevo el célebre background vocal de All, mientras Nathaniel “hace
su trabajo”. El público se viene arriba en
aplausos, mientras suena la descarga sambera que introduce el estándar de Nat Simon, también celebrado por Ahmal Jamal:
“Poinciana”, pero en esta ocasión transformado en energía pura con un broche
blusero en el riff final del guitarrista.
El
bis ha sido otro de los temas preferidos del público, perteneciente a su
neoyorquino trabajo del 2008 “Steps”, en el que Tébar hizo suyo el clásico de
Mancini “Pink Panther”, comprometido arreglo que Raúl de Gamma, critico de “All
About Jazz Ny.”, catalogó como: “The sound of surprise”, y es que Tébar después
de estas 22 ediciones del festival aún sigue sorprendiéndonos.
El 11 de Octubre de 1988 se lanzó Aránzazu DMJ 39, el primer Lp en formato
vinilo del Ximo Tébar Jazz Group, por la compañía especializada en cantautores,
jazz y músicas de raíz: Difusió Mediterrània. Ximo había ganado el premio al
mejor solista en la edición de este año de la Muestra Nacional de Jóvenes
Intérpretes, y Paco Montescomunicador y compañero de Juan Claudio
Cifuentes, le propuso la grabación de este disco en los estudios de RNE (Radio
Nacional de España).
En la
siguiente edición del Festival de Jazz de Ibiza (1989), sede de la muestra,
Ximo volvió a ganar, esta vez como mejor solista y como mejor grupo. El premio
incluía, además de una dotación económica, la posibilidad de grabar un disco. Anís del Gnomo Elígeme Discos IELP 0007,
se grabó entre el 23 de enero y el 4 de febrero en los Estudios Pertegás. Este
trabajo además de tratarse de un “larga duración”, consolidó la formación
ganadora del festival, esta vez con el que sería su batería titular: Felipe Cucciardi,
además de Ricardo Belda al piano y Lluís LLario al contrabajo. Este disco
también contaba con las colaboraciones de los saxofonistas Dave Schnitter y
Jorge Pardo, el percusionista latino Rubén Dantas y los flamencos Juan Carlos
“Peti” al cante y Ricardo Esteve guitarra flamenca. Aquí nació el sonido que
posteriormente sería bautizado como “Son Mediterráneo”.
"Live in Russia" (1992) precedió su tercer disco de estudio "Te Kiero con K" (1992) en el proceso de consolidación del “Son Mediterráneo”, estética esta que se consagraría en el trabajo del 95 realizado para Warner bajo este mismo título. De igual manera, el trabajo que celebró esta estética 25 años después: "Soleo. The New Son Mediterráneo Celebrating 25th" está antecediendo el lanzamiento inminente de su último trabajo discográfico: "Con Alma & United" justamente 30 años después de que todo empezara en el Festival de Jazz de Ibiza en 1988.
Tébar tiene una marcada tendencia a lo cíclico, tendencia esta que se inició con el lanzamiento del primer volumen de la serie “The Jazz Guitar Trio”: Hello Mr. Bennett DMCD7 (1993). Desde este momento, religiosamente, se sucederán de manera alterna un disco de esta serie mainstream con otro perteneciente a alguna de sus estéticas más progresivas, que abarcaron desde el Son Mediterráneo, al Smooth Jazz de la época Warner, hasta que finalmente en la etapa americana del guitarrista todas sus estéticas anteriores convergen en un idioma que comparte ambos mundos, y que no hemos tenido más remedio que rebautizar con el nombre de “Mainstream Progresivo”.
Unidos en cuerpo y “Con
Alma”…
Si
tienes el privilegio de estar en la casa-estudio del guitarrista valenciano
Ximo Tébar y poder trastear con las pistas grabadas en su Mac, puedes
encontrarte sorpresas como esta: a “Pierre Boulez” tocando el Caravan, y es que sus discos están
construidos y reconstruidos con numerosas capas que te permiten distintas
escuchas. Raul d'Gama Rose crítico de All
About Jazz. NY, definía esta característica como “Sound of Surprise”. Pues
bien, yo que he tenido este privilegio aludido, puedo adelantaros que el nuevo
trabajo de Tébar rebosa de “Sonidos Sorpresa” a lo largo, ancho y profundo de
los ocho célebres estándars que el guitarrista hace suyos en su próximo Cd para
Warner Music: Con Alma & United.
En este nuevo disco
estamos
asistiendo a la gestación de un nuevo sonido basado en la recreación, siempre
peculiar y progresiva de estándars, que nos retrotrae a sus mejores discos en
esta línea: Eclipse (2005) y Steps (2008). Uniendo “en cuerpo y con alma” los estándars de Wayne Shorter, (con la colaboración de Jorge Pardo) y de Dizzy
Gillespie, (con la neoyorquina colaboración de Arturo O’Farrill), en una nueva
vuelta de tuerca a la carrera de nuestro guitarrista: del “Son Mediterráneo al
Mainstream Progresivo”.
La Banda…
Ximo Tébar empezó a posicionarse en la escena
Neoyorkina, tanto musicalmente como discograficamente después del
lanzamiento de EmbrujadoOmix Records (04012 CD) el 30de
marzo del 2003. Consiguió un acuerdo de distribución de sus trabajos en
Sunnyside Records, tomó clases con Pat Martino en su piso de Filadelfia,
asistió a todas las jams posibles, y en Diciembre del 2004 ya era fijo en el
Birdland con la ChicoO’Farrill Afro Cuban Jazz Orquesta y
miembro del grupo Riza Negra con Joe
Lovano, Tom Harrell, Dave Samuels,
Dafnis Prieto y John Benitez, aparte de colaborar habitualmente con Dave
Schnitter, Victor Jones y los músicos del movimiento progresivo de Nueva York como Dario
Boente, Orrin Evans, Donald Edwards, Jim Ridl, Sean Jones, Robin Eubanks, Boris
Kozlov, Henry Cole, etc.
Esta es la razón que explica y aclara la impresionante banda que ha grabado en este nuevo trabajo de Ximo Tébar. Los baterías: Nathaniel Townsley en los cortes 2, 4, 7 y Donald Edwards en el resto. Los bajistas: Dominique di Piazza en la pista 1 a dúo con Boris Kozlov (casi nada…) y en la 6, Victor Merlo en la pista 4, Cesar Giner en la 2 y John Benitez, bajista de Soleo, repite en la pista 7. Los contrabajistas (¡atención…!) Ricky Rodríguez en los cortes 3, 5 y Alex Blake en el 8. El músico cubano Luis Guerra al piano en los temas 1, 2, 3, 4, 5, 7. El veterano Ricardo Belda al Rhodes en los cortes 6 y 8 y Will Martz fijo a los sintetizadores y backing vocals junto a la colaboración de su hermana Claudia Tébar y Debra Feliú en los cortes 2 y 7. Fernando García a la percusión en el corte 2. Los vientos: David Pastor a la trompeta en las pistas 1, 4, 5, 8, Roque Martínez en 1, 5, 8 y para rematar la plantilla los invitados de lujo en las pistas que dan nombre al disco: Jorge Pardo a la flauta en el corte 3 “United”, y Arturo O’Farrill piano en el 5 “Con Alma”.
Los Temas…
Desde
que salió al mercado Soleo. The
New Son Mediterráneo Celebrating 25th en 2016, en las
giras que se han generado alrededor de las diversas presentaciones se han ido
añadiendo paulatinamente nuevos temas, además de los cortes del disco, arreglos
que han ido madurando en la cabeza del guitarrista, y también en el groove de
las diversas formaciones que han ido realizando esta gira. Realmente algunas de
estas recomposiciones sobre los diversos estándars que configuran Con
Alma & United ya existían con anterioridad a Soleo,
incluso alguna pista ya estaba grabada desde Steps
(2008). Esta es una de las razones que
explica porque este nuevo trabajo de Ximo Tébar nos retrotrae a la época
americana de mainstream progresivo del guitarrista, pero con la inclusión de un
nuevo ingrediente: la adición de los gestos del Son Mediterráneo, como
cadencias flamencas apenas sugeridas, sonoridades brillantes y contundentes
grooves rítmicos dentro de un lenguaje netamente jazzístico y contemporáneo, de
hecho los músicos internacionales que lo acompañan, como hemos vistos la
mayoría de ellos reclutados entre el Birland, el Dizzy’s, el Fat Cat, el Smoke,
(Village) 55 Bar, Zinc Bar etc…, ya a estas alturas, han asumido con
naturalidad estos gestos, a la par que han imprimido su código genético en la
música de Tébar.
El
tema que abre el disco es Caravan. Para
empezar habría que esclarecer que porcentaje de autoría le corresponde a Duke
Ellington y cual a su trombonista Juan Tizol, parece ser éste el auténtico
creador del tema. No obstante seguro que
Ellington lo hizo suyo en su maravilloso arreglo afro-latin, al igual que
sucede con esta versión de Ximo Tébar,
como ya hemos expuesto anteriormente difícil de catalogar. El riff de bajo que inicia el arreglo
pertenece a Dominique Di Piazza. De origen siciliano, Di Piazza fue educado por
su padrastro de etnia gitana. En sus giras por la India junto a John McLaughlin,
desarrolló una técnica propia consistente en usar los cuatro dedos de la mano
derecha en lugar de usar la técnica de pulsación de a dos dedos tradicional.
Los resultados sonoros se pueden apreciar en su solo, además de en el referido
obligado de la intro. El tema cuenta con el acompañamiento de un segundo
bajista: Boris Kozlov, que junto a Donald Edwards forman la base sobre la que
se articula el arreglo. Boris fue el bajista de la última formación del mítico
saxofonista Michael Brecker, y actualmente es arreglista y director musical de la Mingus Big Band, Mingus Dynasty and The
Orchestra, proyecto al que también pertenece Donald Edwards. Ambos grabaron
junto con Alex Blake en el Cd de Ximo Steps
(2008). Por otro lado, tenemos el dialogo constante entre las armonías de
la guitarra que van desde la peculiar atonalidad de Tébar basada en patrones
digitales, hasta el flamenco, pasando por el pop sugerido en algunos kicks y en
técnicas como el “palm mute”, y las láminas de sonido desplegadas por el pianista
Luis Guerra, totalmente en una estética de post-serialismo integral. Es curiosa
la modificación melódica de la parte B del tema afrontada armónicamente con
modos frigios aflamencados pero respetando el círculo de quintas descendentes
que originalmente figuran en la partitura de Ellington. El trabajo de David a
la trompeta muestra su versatilidad en todos los territorios sonoros, y el solo
de Roque al saxo mantiene el nivel en lo más alto. Al concluir el tema podemos
oír los ladridos de Herbie, el perro del pianista Luis Guerra y Pollock el de
la pintora Rebeca Plana, cuya obra concebida para este trabajo ilustra la
portada y las artes del Cd. Parece ser que a los canes también les gustó la
“toma”.
Sobre
el segundo corte: Take Five se podría
escribir un libro…El arreglo sobre el
estándar de Paul Desmond, está inspirado en las versiones vocales de la pieza,
concretamente en la versión de Al Jarreau, a la que Tébar rinde homenaje. En
palabras del propio guitarrista:
"Al Jarreau
falleció hace unos meses y he decidido rendirle este tributo a través de esta
versión que estrené en el concierto inaugural del XXX Festival Internacional de
Jazz de San Javier el pasado 30 de junio de 2017... El arreglo está inspirado
en la maravillosa versión que cantaba Al Jarreau recreando el riff vocal que
repetía en su interpretación, y sobre todo en el concepto rítmico y climático
de su versión en directo, concepto que siempre me ha cautivado y emocionado
escuchándole cantar y haciendo scat... era magnífico... Por último, de forma
subliminal, y desde un sentimiento muy personal e interno, también estoy
rindiendo tributo a George Benson, ya que su versión de Take Five de su disco
Bad Benson fue una de las primeras influencias e
inspiraciones para mi toque de guitarra...."
La
versión de Tébar da la vuelta armónicamente a la pieza original, mientras el
tema A original está estático sobre la armonía modal Im y Vm, Tébar lo
rearmoniza con una cadencia tonal, y mientras el tema original modula en la B a
su relativo mayor con todos los grados de la escala y su IIm V7 tonal, Tébar se
mantiene en una pedal modal bVII sus y Im9 con la (add11) bajo en b7.
Decía
Frank Zappa que hablar de música es como bailar arquitectura, sugerente
propuesta por otro lado. Se puede hablar, como hemos hecho, de la historia, el
contexto y los aspectos sociológicos que envuelven a una música, pero para
hablar en concreto de una música, y no bailar la arquitectura, no tenemos más
remedio que centrarnos en la partitura, como única manifestación visual del
hecho abstracto en sí que supone la música. Lo que por otro lado no deja de
suponer una paradoja, ya que hablar sobre la audición de una realidad sonora,
no deja de ser una abstracción, a menos que tengas oído absoluto. Y como este
no es el caso, vamos a analizar brevemente esta brillante versión que Ximo nos
ofrece en este disco.
Para
empezar podemos observar en la introducción la línea vocal referida por Tébar,
que Al Jarreau solía emplear en las diversas interpretaciones de la pieza. Esta
línea vocal se repite a lo largo de la interpretación a modo de riff. El tema A
o exposición entra, y es aquí donde podemos apreciar claramente la forma y la
original rearmonización de la pieza: ABA siendo la última A irregular con solo
6 compases en contra de los 8 de las anteriores partes. También podemos
apreciar la diversidad de recursos sonoros de tebar plagados de mordentes,
trinos y glissandos, además de distintos y ricos matices guitarrísticos. Los
cambios más interesantes vienen a partir de la modulación que realiza como
final de la parte A3 de la estructura original desembocando en una especie de
puente o interlude, (sustentado por lo irregular de sus 6 compases), a modo de
coro del arreglista. Aquí es donde está el auténtico y original desarrollo de
la pieza: sección modulante plagada de estructuras constantes m7(9) con
relaciones armónicas y pequeños motivos melódicos obligados que ahora se
comportan como desarrollos temáticos y posteriormente como backgrounds de los
solos. La auténtica guinda del pastel es el extraordinario solo de guitarra que
se desarrolla ampliamente sobre esta sección, constituyendo un magistral
ejemplo de desarrollo climático, los diálogos y el punto clímax entre guitarra
y batería son “de libro”, y para finalizar el tema, una larga coda ambientada
con el riff vocal evocando a Al Jarreau que da paso de nuevo a Nathaniel
Townsley para realizar un espectacular solo de batería en el que despliega gran
virtuosismo, pulsación y control rítmico que concluye con el obligado final de
la pieza. Para mí, es el tema estrella del disco.
Ricky y su hermano el pianista Robert García, eran junto al batería Henry Cole la base habitual del cuarteto de Ximo Tébar en Nueva York. Seguramente, en la misma sesión que se grabó Con Alma, se grabó igualmente el otro corte que da nombre al disco, el estándar de Wayne Shorter United. En este caso el referido efecto de pseudo-bulería se consigue alternando las claves de bulería y swing sobre un patrón a 3/4 constante, aunque el toque del invitado Jorge Pardo a la flauta, con una de sus habituales intro a solo, reconducen la pieza más bien hacia la “Pseudo-Alegrías” que constituye la tercera pista del Cd.
Con Alma,
quinto corte del Cd, además de un célebre estándar de Dizzy Gillespie, era la formación de world-jazz que
se creó alrededor de la figura del pianista Joshua Edelman en el Perdido Club
de Jazz de Valencia a finales de los 80, y a la cual pertenecían los amigos de
Ximo: el bajista Nacho Mañó y el batería argentino Dito Tomassi. Seguro que
desde aquella época le rondaba el tema por la cabeza… El arreglo se estrenó el
21 de abril de 2017 en el conservatorio de Puerto Rico fundado por Pau Casals,
y aunque en aquella ocasión lo interpretaron Jim Ridl al
piano y Boris Kozlov al bajo eléctrico, la grabación del disco cuenta con el
contrabajista habitual de Miguel Zenón y de David Sánchez y Luis Perdomo
Quartet: Ricky Rodríguez, que junto al batería habitual de Ximo desde los “Fourlights”,
Donald Edwards, acompañaron con la amalgama
de compases 3/4 + 5/4 que Ximo denomina como “Pseudo-Bulería” en una sesión
especial al pianista invitado Arturo
O’Farrill, que nos
retrotrae a los solos de la versión original de Dizzy con el swing original a
4/4. A mi modo de entender un acierto este cambio de clave que aligera y
contrasta la sección de solos. Los vientos de nuevo los ponen los amigos David
y Roque.
Alternando entre ambas
luminosas y flamencas pistas, Ximo ha decido intercalar un clásico de Charles
Mingus. En algunas de las actuaciones de su gira de presentación solía
interpretar como intro para el Take Five
un pasaje del estándar Goodbye Pork Pie
Hat a guitarra sola,justamente
porque esta pieza era el homenaje póstumo que Mingus dedicaba a Lester
Youngy a la célebre forma de su
sombrero. Finalmente esta pieza se ha convertido en el blues que ocupa la cuarta
pista del disco de Tébar. El tema se inicia con un solo del bajista habitual de
las giras de Joan Manuel Serrat por Sud America: Victor Merlo, solo ambientado
por fills de trompeta con sordina a cargo de David Pastor. Al final del solo de
guitarra podemos escuchar un background de trompeta y teclado con la melodía
delRound
Midnighttal cual solía tocarla Lou
Bennett, maestro confeso del principio de la carrera de Ximo. Por lo que el
estándar de Mingus no solo hace las veces de homenaje a Lester Young, Lou
Bennett también solía usar en ocasiones un “Pork Pie Hat”, y siempre un blues
en su repertorio.
Como sexto corte una
pieza clave del Son Mediterráneo, su versión del Adagio del Concierto de Aranjuez del Maestro Joaquín
Rodrigo. Como hemos dicho, a veces sucede que cuando revisitas una antigua
pieza, tienes la sensación de que apenas puedes tocar su estructura, ni sus
solos, esto es porque esta pieza ha asumido un carácter de clásico, aun así
Ximo nos sorprende con una introducción basada en la obra del Maestro Rodrigo
para guitarra sola Por los campos de España, concretamente en el arranque del primer
tiempo Por los trigales. También en
esta renovada versión contamos con un magistral solo de bajo de Dominique Di
Piazza y su original técnica de pulsación.
El último de los cortes de obligada referencia
durante la gira “Soleo”, ha sido el que le da nombre al séptimo corte del Cd: Poinciana, y a esto, seguramente, ha
contribuido la impronta de la descarga samba de la sección rítmica, con John
Benitez, bajista del saxofonista David Sánchez y de los pianistas Michel Camilo
y Eddie Palmieri, entre otros, y Nathaniel Townsley, batería de Joe Zawinul
además de haber colaborado con: Richard Bona, Mariah Carey, Stevie Wonder,
Jessica Simpson, Corey Glover, Special EFX, Chris DeBarge, R. Kelly, Dru Hill,
Public Enemy, Nile Rogers & Chic and Lalah Hathaway, y el bajista francés
Darryl Hall (fotografía superior).
La
Poinciana es un colorido arbusto sudamericano, además de una canción popular
cubana sobre la que se inspiró Nat Simon para componer su célebre estándar, que
ha sido versionado por Glen Miller y Henry Mancini. Desde la versión vocal de
Nat King Cole hasta la más famosa versión instrumental de Ahmal Jamal, las
distintas interpretaciones de esta pieza siempre han tenido una tendencia a la
balada o el medio tiempo, tendencia que
se rompe en esta revisión alegre y desenfadada de Ximo y, como ya hemos dicho, con
la incendiaria samba de Nathaniel que inicia a solo el arreglo, al que se le
suman a manera de coros samberos los backing vocals de los hijos de Ximo:
Claudia y Guille, al que se le suma, a su vez, una tercera voz de Debra Feliú.
Guille con el sobrenombre artístico de Will Martz, ha estado realizando la
mayor parte de la gira Soleo, en la
que al igual que sucedía con Ximo cuando trabajaba para Lou Bennett “le tocaba
hacer un poco de todo”. En esta pieza
Guille “toma la alternativa” con el primer solo del corte, del que sale bien
airado. Las exposiciones y backgrounds vocales de la pieza están siempre
contracantadas por riffs guitarrísticos, que nacen a manera de fills pero van
creciendo y creciendo hasta convertirse, después del magistral solo de guitarra,
en un constante e incesante flujo, que solo se rompe en la cadencia bluesy a guitarra
sola del final, donde Ximo desafina el bordón de la guitarra en el Eb, nota
fundamental de la pieza.
Si
dividimos el disco en dos bloques estilísticos, marcados por los arreglos que
toca el batería Nathaniel Townsley Take
Five, Goodbye Pork Pie Hat y Poinciana,
y los que toca Donald Edwards: Caravan, Con
Alma, Concierto de Aranjuez yUnited, habría que añadir una Coda para situar al Bonus-Trackque nos ofrece Donald Edwards acompañando a
Alex Blake: Bemsha Swing de
Thelonious Monk. Con este tema Ximo retoma la antigua costumbre de terminar sus
discos con un simpático Blues en F “med-up tempo”. Como hemos dicho, esta pieza
se grabó en 2007 para el Cd Steps y
ha permanecido guardada (como tantas y tantas otras joyas que Ximo atesora en
su casa), hasta ahora, magnifico momento para salir a la luz y cerrar este
memorable trabajo en el que también participan David y Roque imprimiendo cada
uno su broma musical: David con el inicio del también monkiano estándar: Well you needn’t y Roque con un amago
del Tequila. Por su parte Alex Blake
despliega un percusivo solo, con scat vocal incluido, tal como solía hacer con Dizzy
Gillespie, Sonny Rollins, Sun Ra, Art Blakey, Freddie Hubbard, Mongo
Santamaría, Stan Getz, McCoy Tyner, Nancy Wilson, Max Roach, Billy Cobham,
The Manhattan Transfer, Astrud Gilberto, Pharaoh Sanders o Randy Weston...y algunos nombres más como reza en su web, y
Donald Edwards nos regala una descarga al estilo “Marching Band” de su Nueva
Orleans natal.
Por
cierto a mi este tema no deja de sugerirme una sutil fusión entre la más
acérrima tradición de auténtica “Marching
Band” jazzística y las fanfarrias Romaníes de los Balcanes. ¿Otra vuelta de
tuerca…?
La concreción de lo
abstracto…
Para terminar quiero hacer una mención a los trazos
que ilustran la portada y las artes del Cd, y que se expanden por el lomo y
contraportada de este: son fragmentos de la tela de gran formato en técnica
mixta de la pintora de Albalat de la Ribera Rebeca Plana realizada para la
ocasión y titulada al igual que el Cd. Rebeca se posiciona
dentro de una abstracción 2.0, aunque el nombre del perro que ladra al final
del primer corte del Cd: Pollock, nos hace pensar quizás en un expresionismo
abstracto, en este caso, al igual que en toda la serie “Matalás” a través de
grandes bloques de contraste de color. La energía de los trazos rotos, el
constructivismo y la luz que emanan sus
coloridos contrastes nos retrotraen a la, en principio, tan distinta estética
del guitarrista, pero poseedora, en el fondo, aunque no en la forma, de un
expresionismo que emana del mismo lugar, la
concreción de lo abstracto: musicalidad y ritmo...
Con este informe
queremos realizar una reflexión sobre cuál está siendo la influencia social
real que ha generado el jazz en el panorama actual de las músicas populares y
tradicionales en la Comunidad Valenciana desde dos puntos de vista: ¿Constituye
el jazz un motor de evolución y acercamiento entre las distintas culturas
musicales tradicionales, clásicas, y populares?, ¿qué idiosincrasia ha generado
el hecho de haber implementado unas enseñanzas superiores de jazz sin que
previamente existieran unas enseñanzas profesionales?, justo con un itinerariocontrario a la inclusión de las enseñanzas de
“Cant d’Estil” y músicas populares.
Introducción
Desde que a principios de los años 80 surgiera en
Valencia la primera academia privada de jazz: “Estudi de Música” en el número
23 de la calle Jacinto Benavente,mientras se establecían en el recién inaugurado “Perdido Club de Jazz”
los maestros boppers Joshua Edelman, Dave Schnitter y Sean Levitt, el jazz
desde siempre ha estado detrás de la enseñanza musical “moderna”no reglada.Por otro lado, en este mismo momento histórico Oswaldo Blanco, manager
de “Al Tall”, creaba el sello discográfico“Difusió
Mediterrànea”, compañía especializada en cantautores,
jazz y músicas de raíz, que promovióel
encuentro entre el jazz y la música tradicional valencianacon discos como “Joc Fora” (V Trobada de
Música del Mediterrani 1985).
De nuevo durante la
década de los 90, fue el jazz valenciano quien “tiraba del carro” a la hora de
materializar estos antecedentes en centros estables como el “Taller de Música
Jove de Benimaclet”, o los primeros seminarios internacionales de Jazz de la mano
de la joven asociación “Sedajazz”, a la par que surgían los primeros encuentros
entre jazz, musica clásica y tradicional valencianacon el encargo de la partitura de “La
Moixeranga” interpretada por Ximo Tébar en un arreglo sinfónico, junto a la
Orquestra Simfònica de les Illes Balears, el 21 de junio de 1993, en una gran
gala en los Jardines de los Viveros de Valencia, que bajo el lema “Les Balears
es presenten” reunió a los cantantes María del Mar Bonet y Ovidi Montllor.
Finalmente
durante la primera década del siglo XXI, ambas disciplinas: Jazz, “Cant
d’Estil” y músicas populares valencianas entraron a formar parte de las
asignaturas ofertadas en el Conservatorio de Valencia.
No obstante, no sabemos
exactamente qué criterios se siguieron para introducir los estudios superiores
de jazz directamente en el conservatorio, sin que existieran unos estudios de
grado profesional previos, como en el caso del cant d´estil y las músicas
populares, pero el hecho es que en la actualidad ambas enseñanzas cuentan en
una u otra medida de un estatuto oficial en Valencia. Y es justo aquí donde
surge la polémica: ¿son los objetivos de las EE.PP de música realmente formar profesionales de la música?, y, si
esto es así ¿Cuáles son los objetivos de las enseñanzas superiores de música?
Evidentemente
estas cuestiones están más que resueltas en los correspondientes Boletines
Oficiales del Estado, pero, ¿responden las enseñanzas actuales de Jazz en
Valencia a estos objetivos una década después de su instauración? o, por el contrario
se han implementado los “objetivos profesionales” en sus enseñanzas superiores
debido al hecho de no existir unas EE.PP de jazz en Valencia.
1.Las primeras Enseñanzas Musicales de Jazz en España
Los años setenta han marcado el inicio de la aventura
docente del jazz en nuestro país como contestación al anacrónico sistema
educativo oficial. Se pueden discutir el método y los resultados, lo que nadie
niega es que “las academias privadas cambian la fisonomía musical del país” [1]
En el año 1978, comenzó a funcionar en Barcelona el Aula de
Música Moderna y Jazz, dependiente del Centre d’Estudis Musicals, por
iniciativa de Enric Herrera, el saxofonista Antonio Peral y Arthur
Bernstein. ElCentre d’Estudis Musicals de Barcelona fue una entidad
independiente creada en 1977 que elevó el nivel de seriedad y prestigio de la
enseñanza de la música a nivel privado; contaba con un Aula de Jazz, Jazz-Rock
y Rock. La sección jazzística se independizó en 1981 como
escuela autónoma con el nombre de L’Aula. Aula de Música Moderna i Jazz; luego
de nuevos avatares pasó a formar parte de la Fundació Conservatori del Liceu de
Barcelona, en 1998 celebró su XX Aniversario. [2]
El Taller de Musics de Barcelona fue
creado en 1979, bajo la dirección de Lluís Cabrera. Ambos centros abrieron sede
en Madrid, L’Aula dirigida por Joan Albert Serra, se transformó en la Escuela
de Música Creativa, de puertas para adentro, su línea programática tiene como
objeto la formación en los fundamentos técnicos del jazz con vistas a facilitar
una salida profesional al alumnado.[3]
El Taller
de Músicos de Madrid fue creado en 1986, miembro de la International of Schools
of Jazz (IJSJ), sigue desplegando su proyecto no solo en el terreno de la
enseñanza de la música moderna, también convocando seminarios internacionales.El Taller publica cada año su Programa d’estudis/Programa de estudios,
en catalán y en castellano, donde queda reflejado el sistema docente que ha
demostrado ya con creces sus resultados positivos, al tiempo que ha dado varias
generaciones de instrumentistas. En palabras de Fernando Hernández Les,
director del Taller de Madrid:
(...)
La metodología de nuestra enseñanza se
basa en el desarrollo de la técnica del instrumento, así como la adquisición de
una experiencia musical en grupos, combos y big-bands, con un repertorio
variado. El objetivo principal es estimular la creatividad en el futuro músico
de jazz.[4]
En sintonía con el momento que vive
el jazz en todo el mundo, el primer efecto derivado de la implantación y puesta
en funcionamiento de semejante foro educativo ha sido el de insuflar entre los
músicos neófitos el gusto por los aires clásicos del be-bop y la expulsión
violenta de los heroicos autodidactas de antaño. [5]
Había de llegar el momento en que el jazz
entrara por las puertas grandes de la Universidad, lo que se consiguió, por fin
y que sepamos por vez primera en España,
de manera regulada y estable, en la Politécnica de Catalunya (UPC), durante el
curso académico 1993- 1994 como asignatura de libre elección (10% de créditos
por carrera y año), y en concreto en la Escola Tècnica Superior d’Enginyers de
Camins, Canals i Ports de Barcelona, a cargo del geólogo y químico de la misma
Enric Vázquez i Ramonich, hombre ducho en jazz desde sus jóvenes años como
crítico en la radio. Su curso versa de forma genérica sobre “Jazz: estética,
experiència i historia”, abarca dos
cuatrimestres, cuenta con una media de 50 alumnos y además ha dado pie a la
creación de una Mediateca de Jazz en la Biblioteca General. [6]
En julio del año 2000 se firmó un
convenio entre la UPC y el Taller de Músics según el cual se crea un estudio
anual dividido en tres niveles para la formación de músicos de jazz. El ingreso
en dicho programa se hace a través de un examen de conocimientos musicales, que
implican un estudio equivalente a 4 años de instrumento y saberes
correspondientes. Además de Vázquez, la UPC aporta la tutela académica de Helio
Piñón con su “Teoría de la modernidad artística”. Las clases empezaron a
impartirse en el Taller de Músics, con los profesores Joan Munné, Víctor de
Diego y Pep O’Callaghan (instrumento, conjunto instrumental), Vázquez (historia
y estética del jazz en 3 niveles) el citado Piñón, Joan Chamorro, Cristina
Canet, Ramón Civit y Martí Ventura (Teoría musical), Santi Galán (nuevas
tecnologías y arreglos).
Es de desear que muy pronto podamos
ver los frutos de algunos de estos alumnos que han pasado por dichas aulas en
forma de la edición de unos anales o memorias, o quizá de alguna obra autónoma
más ambiciosa que los estrictos trabajos de fin de cuatrimestre o curso. En fin
que de las aulas universitarias, aunque no sólo de ellas, deberían salir nuevas
generaciones de gente capaz (por conocimientos no sólo autodidactas) de
reflexionar, escribir y publicar trabajos novedosos, actuales sobre el mundo
plural y polisémico del jazz.[7]
A partir del año 2001, el Doctor y profesor del departamento
de Historia de la Música de la Universidad de Barcelona, Jaume Carbonell i
Guberna, empieza a impartir de manera regular y oficialmente la asignatura de
Historia del Jazz. Fruto de esta labor surge la primera publicación en catalán
sobre su historia: El Jazz clàssic i la
seva història, publicada en el año 2011 por la editorial Galerada. Otra de
las funciones que ha ejercido ha sido la de dirigir y participar como tribunal
en numerosos trabajos de investigación sobre el jazz.
En este sentido también podemos hablar de un trasvase
académico, en cuanto a la investigación jazzística en Valencia se refiere, ya
que Jaume formó parte del tribunal evaluador de la tesis doctoral de Vicent
Lluís Fontelles:“Jazz a la ciutat de València: Orígens i
desenvolupament fins a les acaballes del 1981”, tesis doctoral presentada
en el Departament de Comunicació Audiovisual, Documentació i Història de l’Art,
de la Universitat Politècnica de València, en Enero de 2010. Toda esta
actividad investigatoria fructificó en Valencia en el año 2013 en el I Congreso
internacional “El Jazz en España” en el centro cultural La Nau de la
Universidad de Valencia. La subdirección
general de Música de CulturArts - Generalitat Valenciana y la Fundación Autor,
junto con la Universitat de Valencia y la Universitat Politécnica de Valencia,
organizan este congreso internacional y multidisciplinar, el primero que se
dedica en España a la música de jazz. En él se han abordado cuestiones como la
llegada del jazz a Europa y su introducción en España, los paralelismos y
divergencias entre el jazz en España y Portugal, la introducción del género en
diferentes ciudades y territorios, el análisis musical de sus diversos estilos,
la relación del jazz con cuestiones políticas e ideológicas, su asimilación
desde otras tradiciones musicales o el papel de algunos músicos destacados en
el desarrollo del jazz en España.
Podemos constatar que hablar de la historia de la formación
jazzística en España es prácticamente hablar de Madrid y Barcelona,
especialmente de esta última, y aunque sabemos que este tipo de formación se ha
extendido por toda España de una manera u otra, especialmente por el norte de esta, en este trabajo nos hemos centrado
en estas dos ciudades haciendo especial hincapié en Barcelona como antecedente
e influencia directa de la formación jazzística en Valencia que es el tema que
nos ocupa en el presente trabajo.
Queremos resaltar también el hecho
de que en la bibliografía usada para documentar el siguiente apartado, solo
hemos encontrado una referencia a esta cuestión en Valencia, exactamente en el trabajo de Joaquim
Romaguera El Jazz y sus espejos:
(...) En la década de los 90 se realizó una masterclass de jazz por el saxo
tenor holandés Dick De Graaf en el Taller de Música Jove de València.[8]
[1]Mallofré, Albert:
“Las academias privadas cambian la fisonomía musical del país”. La Vanguardia, 11 de enero de 1993.
[2]Romaguera, Joaquim: El Jazz y
sus espejos. Volumen 2º. Ediciones de la Torre, Madrid 2002. pág. 224
[3]García Martínez, José Mª: Del
Fox-Trot al Jazz Flamenco: El Jazz en España, 1919-1996. Madrid: Alianza
Editorial, 1996. pág 224.
3.Los nuevos Estándars
del Corredor Mediterráneo del Jazz
En el verano de 1938,
Joaquín Rodrigo (1901-1999) fue invitado a impartir unas clases en la recién
abierta Universidad de Santander; en el viaje de regreso a París, durante una
cena en San Sebastián, Luis de Urquijo, marqués de Bolarque, propuso a Joaquín
Rodrigo la composición de un concierto para guitarra y orquesta que podría interpretar
Regino Sainz de la Maza, también presente en aquella velada. Finalizada la
Guerra Civil, Rodrigo regresó definitivamente a España con el Concierto de
Aranjuez ya compuesto. Su estreno tuvo lugar en Barcelona el 9 de noviembre de
1940, a cargo de la Orquesta Filarmónica de Barcelona, dirigida por César
Mendoza Lasalle, y con Regino Sainz de la Maza como solista; posteriormente se
presentó en Bilbao y unos meses después en Madrid, con el director Jesús
Arámbarri. 8
Como ya hemos
comentado, fue a partir de la primera edición impresa de la obra en 1949, que
la partitura empezó a difundirse internacionalmente,de suerte que es probablemente la obra
española de todos los tiempos más escuchada en todo el mundo.
Entre 1959 y 60 fruto de la colaboración de Miles Davis con el
arreglista Gil Evans, segravó "Sketches of Spain" (algo así
como "Esbozos de España"), disco que se abre con una versión del
"Concierto de Aranjuez" de Joaquín Rodrigo.
Aunque la versión más popular que se ha configurado como un estándar
jazzístico, sin lugar a dudas se registra en 1972, en la rearmonización de la
amplia introducción que abre la pieza Spain
del álbum Light as a Feather segundo de la banda Return to Forever,
dirigida por el pianista Chick Corea. Esta pieza ha sido
versionada multitud de veces porsu
propio autor y por gran cantidad de músicos de jazz.
Desde
que en 1991 Paco de Lucia interpretara el Concierto de Aranjuez con la venia
del propio autor Joaquín Rodrigo (como podemos apreciar en la portada del disco
sentado junto a Paco) con la orquesta de Cadaqués bajo la batuta de Edmond
Colomer, se han reactivado también las versiones del tema principal del segundo
tiempo, por los interpretes del nuevo flamenco. Sin duda las versiones más abundantes
vienen a través del estándar de Chick Corea Spain,que ya había sido interpretado por primera
vez en clave flamenca por Paco de Lucía y John McLaughlin en la década de 1980,
posteriormente encontramos las versiones de Michel Camilo & Tomatito en el 2000,
y la del propio Chick Corea con Paco de Lucia en el festival Vitoria-Gasteiz
del 2001.
Igualmente queremos reseñar, volviendo a Valencia, la versión
realizada por el guitarrista Ximo Tebar en su disco Son Mediterráneo editado por Warner Music Spain S.A en 1995, bajo
el título En Aranjuez con tu amor, en
un versión más bluesy que retoma la cuestión: “Jazz Mediterráneo versus
Flamenco Jazz”.
George Mraz: Bass, Gregor Huebner: Violín y Richie Beirach: Piano,
grabaron en mayo de 2001 "En torno a Federico Mompou": (nominado al
Grammy 2002): en una producción conjunta de ACT y WDR, una importante emisora
de radio alemana, aunque la presentación al público fue el 20 de octubre del
2001 en Colonia. A partir de entonces, la banda realizó una gira por clubes y festivales
de toda Europa.
Además de este trabajo, encontramos distintas
versiones posteriores con influencias jazzísticas sobre la obra de Mompou:
“Mompuana” del disco “Junjo” de la cantanteEsperanza Spalding, publicado el 4 de Abril de 2006 en Ayva Musica
Producciones, “Mompiana”: Lluis Vidal Trío feat. Dave Douglas & Perico
Sambeat (15 de Diciembre de 2009 en Universal Music Spain S.L.) “Mompou's Mood”
de laCompanyia Elèctrica Dharma (15 de
Septiembre de 2010 en Picap), los“Tangos y Tanguillos a Mompou” del disco “Piano Ibérico” deChano Dominguez, inspirados en las obras Musica Callada I y III respectivamente,publicado el 19 de Noviembre de 2010 en EMI
Spain y por último Al voltant de Mompou,
Daniel Picazo, Diego de Lera y Felipe Cucciardi Trio (Blau Records 2012).
Hemos podido constatar que en 1949 se editó por primera vez la
partitura del Concierto de Aranjuez del
maestro Rodrigo y que posteriormente, entre 1959 y 60 fruto de la colaboración
de Miles Davis con el arreglista Gil Evans, segravó Sketches of Spain, disco
que se abre con una versión del Concierto
de Aranjuez de Joaquín Rodrigo. Constituyendo este evento la primera
relación entre música clásica valenciana y jazz internacional.
Posteriormente los
años setenta han marcado el inicio de la aventura docente del jazz en nuestro
país, en el año 1978, comenzó a funcionar en Barcelona el Aula de Música
Moderna y Jazz, y en 1979 fue creado El Taller de Musics de Barcelona.
En la década de 1980, la apertura
del Perdido Club de Jazz en Valencia, reactivó y asentó la primera generación
de jazzistas valencianos.
Repasando la programación, se
observa como en los primeros años el papel de la llamada primera ola del jazz
valenciano fue fundamental. Se favoreció que músicos como el guitarrista Carlos
Gonzálbez, los contrabajistas Lluís Llario y Salvador Faus, pianistas como
Donato Marot, Joshua Edelman y Fabio Miano y el batería Paco Aranda pudieran
tocar con músicos de fuera. [1]
Esta primera ola del jazz valenciano, allanó el camino de una segunda
generación, los saxofonistas Perico Sambeat y Ramón Cardo, regresaron de
estudiar en el Taller de Musics de Barcelona, resultando ambos piezas
fundamentales del trasvase estilístico Barcelona-Valencia.
Centrándonos en el panorama actual del jazz
valenciano, encontramos interesantes antecedentes difícilmente catalogables
como el disco del saxofonista valenciano Perico Sambeatjunto al Cor de
Cambra Lluís Vich:
Perico
Sambeat (saxos
alto y soprano) Josep LluisValldecabres (contratenor), Vicente Abril (tenor), Ignasi
de Lequerica (tenor) Javier Mariu (tenor), Llorenç Medina (tenor),Ricardo Sanjuán (tenor), Joaquim Martí
(bajo), Antonio Sabuco (bajo), Jose Luis Vicente (bajo).
Toda la música escrita por compositores valencianos de ámbito
religioso (algunos anónimos) entre los siglos 7º y 16º excepto Vera ratio, escrito por Perico Sambeat.
Grabado en vivo en el Centre Cultural Beneficencia 6 y 7 de Octubre de 1997 por
Thrill Solutions. Producido por Perico Sambeat. Dirección ejecutiva, Centre
Cultural La Beneficència de la Diputación de Valencia. Aunque Joaquín Marti,
nos habla en sus notas al programa del disco Discantus (1997) de lo incatalogable de su estética, pensamos que
tiene un punto de unión fundamental con el disco Orquestra de Cambra Teatre Lliure and Lluis Vidal Trio de 1995, y
es justamente la revisión de sus raíces populares autóctonas desde un punto de
vista jazzístico y contemporáneo, aunando composición e improvisación. Si bien
la mayoría de piezas deDiscantus están extraídas del cancionero
popular de entre los siglos VII y XVI, (principalmente obras del Misteri d’Elx), la última pieza del
disco Vera ratio, es una composición
original de Perico, que extraída del contexto general del disco resulta de una
contemporaneidad asombrosa.
Son Mediterráneo 1995: el final del “Perdido” y la consolidación del Son Mediterráneo
1995 fue el año en el que echó el cierre el Perdido Club de Jazz de
Valencia, pero también el año en que ve la luz Son Mediterráneo, obra cumbre en la discografía de Ximo Tébar.
Después del frenético comienzo de la década de los 90, en la que en tres años
lanza cuatro discos, Ximo se toma un par de años, y el 23 de junio del 95, Warner Music Spain lanza Son Mediterráneo.
Aunque los primeros estudios guitarrísticos de Ximo Tébar estuvieron
relacionados con el flamenco, podemos afirmar que Ximo es un guitarrista de
jazz, pero dentro de esta catalogación general, el peso específico que le
diferencia de otros guitarristas coetáneos sin lugar a dudas es el blues.
No obstante, a pesar de todas estas interesantes aportaciones que ha
realizado Ximo Tébar en el ámbito del Blues, normalmente se le suele catalogar
como el creador del Son Mediterráneo, a la hora de valorar su principal
aportación al jazz.
A esta peculiar amalgama entre blues, bop, samba, flamenco, pop y
musica tradicional valenciana es lo que se denomina como Son Mediterráneo, y
por extensión a todo el disco del mismo nombre. En él podemos encontrar todo
tipo de relaciones entre el nuevo flamenco puro y duro del corte nº8 Bulería,
a la que se añade la guitarra jazzística, pasando por la Pesadora de
Albaicín, de carácter más progresivo, que realmente es la pieza que
inauguró esta estética en 1990 en el disco Anís del Gnomo, en la que
participaron Jorge Pardo a la flauta y el “Peti” al cante, y en la que Ximo
hace alarde del blues más puro sobre fraseos alterados con tendencia atonal.
Son muchas las gradaciones que este disco contiene entre el flamenco y el jazz
mediterráneo, si consideramos a este último como una implementación de las
músicas populares autóctonas con el jazz, como en el evidente caso de la pieza
a guitarra sola que cierra el disco: La Moixeranga música de la
festividad de la Mare de Déu de la Salut d’Algemesí (la Ribera Alta).
4.Las primeras big bands en Valencia
Jose Luis Granell es el artífice de la primera big band establede Valencia, la Jove Jazz Band, creada en
1984, así como de la primera
big band universitaria creada en 1998, la B.B.U. Los primeros esfuerzos por montar big bands, también
fueron recogidos en el Perdido Club de Jazz: la “Jove Jazz Band”, que dirigía
Jose Luis Granell, se presentó el 13 de marzo de 1985. Y la “Big Band Jazz
Valencia”, montada por Ramón Cardo, el 14 y 21 de abril de 1988.
Per l’altra banda: Ramón Cardo
big band 2002
Por primera vez una big band
valenciana dedica un disco a composiciones propias, en este caso escritas y
arregladas por los saxofonistas Ramón Cardo, José Luis Granell y Jesús
Santandreu y el guitarrista Daniel Flors. La prestigiosa revista Cuadernos de
Jazz eligió este trabajo como el mejor disco español de jazz de 2003.[1]
Cuando toqué
por primera vez con la banda de Godella, donde nací y empecé mi carrera
musical, tuve una sensación placentera que es difícil de describir con palabras
y que, por otra parte, todo músico que haya formado parte de cualquier tipo de
banda conoce. Escucharme arropado por otros sonidos, comprobar la magnitud del
resultado, descubrir que lo que uno toca forma parte indispensable del todo,
produce una inmensa felicidad. Me sentí tan pletórico que esa experiencia marcó
mi trayectoria dentro de la música, y con el paso del tiempo volví a encontrar
la misma emoción en situaciones diferentes, como cuando escuché por primera vez
a los Jazz Messengers de Art Blakey, o cuando me senté en la sección de saxos
de la Big Band del Taller de Músics de Barcelona, y en muchas otras ocasiones
en las que he colaborado con formaciones y músicos de todo tipo. Eso sí, casi
siempre ha coincidido con circunstancias en las cuales había una notable
presencia instrumental.[2]
[1]Se puede escuchar
el disco en la siguiente lista de reproducción de spotify:
[2]Caratula del disco Per L'altra banda Valencia: Institut Valencià de la Música, D.L.
(2003).
Metalls D’estil (Ramón Cardo) 2013
El canto de raíces, la música contemporánea y
el jazz se encuentran en el nuevo proyecto de Spanish Brass Luur Metalls, reza
un artículo del periódico “El País”
con motivo de la presentación del último trabajo del grupo con influencias de
Tercera Corriente, esta vez con una nueva vuelta de tuerca, la inclusión de la
música popular valenciana en el proyecto. Transcribimos a continuación parte
del citado artículo:
"Todos salen ganando, tanto la música
contemporánea como el canto de estilo", asegura el trombonista Inda Bonet,
miembro del quinteto valenciano Spanish Brass Luur Metalls, cuando le
preguntamos por la aparente contradicción que existe entre una jota valenciana
y la música que ellos hacen. Hay que advertir que Jota improvisada es una de las
nueve piezas de música tradicional que integran el álbum titulado Metales de Estilo, en el que
colaboran este quinteto de vientos radicado en Bétera (Valencia), el cantaor Pep Gimeno Botifarra y Ramón Cardo,
saxofonista, profesor de conservatorio y director de big band de jazz.
El disco se grabó en directo en el Teatro
Auditorio de Catarroja el 2 de marzo del
2013. Dos días después, se hicieron las sesiones de estudio para completar la
grabación en directo. Este trabajo parte
de la necesidad de la formación de presentar proyectos especiales, en este
caso la pieza número 100 que Spanish
Brass Luur Metalls ofreció en el Festival de Alzira que lleva su propio nombre,
que junto al Festival BrasSurround que se realiza en la también valenciana
población de Torrent, han constituido la excusa para el encargo y la
creación de la mayoría de trabajos que hemos analizado en este capítulo.
Sugiere también Bonet que la clave
del resultado alcanzado radica en la tarea de composición y arreglos efectuada
por Ramón Cardo a partir de una selección del repertorio del cantaor setabense. Spanish
Brass Luur Metalls ha trabajado previamente en formatos de lo más dispares,
como un quinteto de metales con trío de jazz. Cardo subraya que en el jazz se han derribado muchos tabúes a la hora de relacionar
músicas distintas y que el camino de Metales de estilo estaba abierto. De hecho, él mismo
tiene detrás una experiencia de big
band de jazz con
el cantaor José
Aparici Apa.
Realmente
existe cierta tradición en Valencia con respecto a la fusión entre estos tres
elementos: cant d’estil, jazz y música de bandas, además de diversas
colaboraciones del cantaor José Aparici
“Apa” con Big Band de Jazz, el ensemble de saxos contemporáneo “Saxaes” realizó
en el 2009 la grabación del disco Saxaes&Amics (Sedajazz Records), en
el cual colaboran e interactúan músicos de jazz con músicos y cantaores de Cant
d’Estil. En 2006 el dolçainer Xavier Richart editó el cd “Vent de Llevant” bajo
la producción del pianista de jazz valenciano Ricardo Belda. En el año 2013,
Spanish Brass encarga al saxofonista y compositor de jazz valenciano Ramón
Cardo, un proyecto entorno a la música tradicional valenciana y el jazz, esta
vez con la colaboración del “cantaor” Pep Gimeno “Botifarra”, y en 2015 el
pianista de jazz valenciano Albert Sanz estrena La Suite de L’emigrant, en donde podemos encontrar la fusión del jazz con
músicas de raíces de la mano del cantaor de Gandía Carles Dènia.
Para Ramón Cardo, la música
valenciana de raíces es un poco más que familiar. "Yo empecé como
cantante cuando era todavía un niño", recuerda. Como músico de jazz, una parte del trabajo
importante en este proyecto ha sido de carácter armónico, porque las armonías
del repertorio interpretado son muy básicas. Pero el reto principal ha
sido trabajar los diferentes palos sin
guitarras ni percusión, que son los instrumentos característicos de
acompañamiento en esta música, y adaptarlo a un grupo exclusivamente de
vientos. [1]
Resulta curioso observar la siguiente apreciación: ninguno de los
autores entrevistados ha visto una relación directa entre la inclusión de los
estudios de jazz en el conservatorio superior de Valencia en el año 2009 y la
evidente profusión de trabajos jazzísticos con influencia de las músicas
clásicas y populares que se han realizado en los aledaños de esa fecha,
multiplicándose substancialmente con la
llegada de la segunda década del siglo XXI. Queremos resaltar desde este
trabajo que no pensamos que este hecho sea casual, y justamente una vez más
observamos que este acercamiento de la música popular valenciana a las “músicas cultas” clásicas y
jazzísticas, ha precedido de nuevo a la inclusión del “Cant d’Estil” y las
músicas populares valencianas en los conservatorios profesionales de música en
Valencia.
Trascribimos a continuación parte de otro
artículo de Juan Manuel Játiva para el periódico “El País”.
“El
cante tradicional valenciano entra en el conservatorio”
El tradicional cant d´estil valenciano será una especialidad en los
conservatorios profesionales de música de la Comunidad Valenciana, tras ser
aprobado por la Comisión General de Educación, que se ha reunido este viernes
en Madrid. Así lo ha anunciado la Consejera de Educación y Cultura, María José
Català. El próximo paso es la tramitación de un decreto que incluye esta
especialidad en las enseñanzas profesionales de música. “Estamos muy
satisfechos porque ésta era reivindicación histórica de los colectivos de cant d´estil valencià y es un
gran paso para poder conservar la música tradicional valenciana y difundirla”,
ha asegurado la consejera. “Hemos defendido ante la Comisión que el Cant
d´Estil posee un gran valor social y de identidad y que es un vínculo de
comunicación en la vida tradicional de la Comunitat Valenciana”, ha afirmado
Català. En este sentido, la Generalitat subraya el interés por crear un espacio
propio para el cant valencià, que
"permita el estudio, la investigación, la protección, y en consecuencia,
la enseñanza y preservación del canto autóctono por excelencia, como elemento
de identidad y uno de los más valiosos de nuestro patrimonio".
Como ya hemos expresado en la introducción de
este trabajo, no sabemos exactamente qué criterios se han seguido para
introducir los estudios superiores de
jazz directamente en el conservatorio
sin que existan unos estudios de grado profesional previos, como en el caso del
cant d´estil y las
músicas populares, pero el hecho es que en la actualidad ambas enseñanzas
cuentan en una u otra medida de un estatuto oficial en Valencia.
Como han señalado expertos conocedores de este
canto popular, no se puede enseñar ni aprender del mismo modo que la música
culta del conservatorio. En el cant
d'estil la voz se emite de forma natural y no impostada y la
afinación es distinta en este caso. Se trata de melodías modales, con unas
posibilidades sonoras diferentes de las tonales propias del sistema culto
occidental. [2]
Esta última apreciación es relativa, como nos demuestran los trabajos
citados en este capítulo[3], pues a
día de hoy “el sistema culto occidental” comprende todo tipo de lenguajes
contemporáneos, indudablemente, entre ellos también el jazz.
[1]Juan Manuel
Játiva 26 jun 2013. [Última consulta:
28/06/16]
Con este trabajo presentado en el Festival de Jazz del Palau de la Música de Valencia el 10 de julio del 2015, Albert Sanz al frente de la big-band de Sedajazz completa su trilogía third stream iniciada con El Fabulador (Albert Sanz y los Once Dedos 2004).
Este disco de “Albert Sanz y los Once Dedos”, fue la cuarta entrega de la serie Xàbia Jazz, promovida por el IVM. Una vez más podemos establecer un paralelismo entre la historia general del jazz y la local, así como la tercera corriente estuvo precedida, en cierto sentido, por el Cool Jazz, y su búsqueda de una sonoridad orquestal ampliada, este trabajo de Albert Sanz, crea un precedente en la búsqueda de esta misma sonoridad, que se desarrollará posteriormente en su trabajo Russafa Ensemble, cuya presentación se realizó en el marco del 33º festival internacional de música contemporánea Ensems 2011, creando sin duda un hito en el encuentro del jazz y la musica clásica contemporánea en Valencia. Entre las principales características musicales que definen al autor podemos destacar: la amalgama de compases y la ruptura de la rítmica tradicional en contextos jazzísticos, la búsqueda de nuevas plantillas con la inclusión de instrumentos “clásicos” no tradicionales en el jazz, la búsqueda de un lenguaje compositivo libre a través del eclecticismo de técnicas y estéticas empleadas, donde conviven atonalidad, polimodalidad y politonalidad, sin renunciar a atractivas partes cantábiles con incursiones tonales. También hemos podido comprobar como la forma suite se manifiesta como la predilecta por parte de varios de los autores analizados, y que en el caso de Albert Sanz se desarrolla ampliamente en su último trabajo: La Suite de L’emigrant (2015), en donde por un lado podemos encontrar “la suite” en sí, con cierta unidad estilística, que da paso a una segunda parte más ecléctica, donde destaca la multiculturalidad y la fusión con músicas de raíces de la mano de la cantante hindú Ganavya Doraiswamy y el cantaor de Gandía Carles Dènia, como resumen del viaje iniciático de “l'Emigrant”.
5.Eclosión de la obra sinfónica de Jesús Santandreu
A partir del año 2010 la carrera musical de Jesús Santandreu
da un vuelco, revelándose como uno de nuestros más prometedores compositores de
música sinfónica para ensemble de viento con los estrenos de sus obras Sortes Diabolorum que estrenó en Brasil
la “Orquesta de Sopros Brasileira-Banda Sinfónica” el día 28 de Mayo de
2010, dirigida por el maestro Darío
Sotelo y La Noche de Brahma, que fue
elegida Obra Obligada para la Sección 1ª dentro del Certamen Internacional de
Bandas de Música de Valencia 2010, constituyendo una especie de reconocimiento
oficial a su trabajo por parte de las instituciones de su ciudad de origen,
trabajo profundamente enraizado en el mundo jazzístico y que se ve consolidado
en esta vía intermedia entre jazz y música clásica, con sus posteriores obras: Think of Jazz, concierto para sexteto de
jazz, banda sinfónica y coro que se estrenó en el acto de clausura de la XII
edición de “Com Sona l’ESO”, el día 13
de mayo del 2011 en la plaza de toros de Morella (Castellón) y
Oneiric Discourse concierto para saxofón tenor y ensemble sinfónico de
vientos, encargo del maestro Mathew George para la Universidad de St. Thomas en
Minnesota que se estrenó el 23 de octubre de 2011.
Estas obras y su constante línea de
formación y trabajo, van a asentar a Jesús Santandreu como el más importante
compositor de música de tercera corriente jazzística, en el panorama de la
música actual en Valencia, con la particular característica autóctona que
supone la revalorización y modernización del repertorio de nuestras
tradicionales Bandas de Música.
J.S.Yo
afirmaría que el primer acercamiento real al jazz en el certamen de bandas
sinfónicas de Valencia aconteció en 2001 con la obra de Gregory Fritze Variaciones
Sinfónicas. El segundo movimiento de esta
pieza Scherzo tenía una sección improvisada para saxo tenor donde destacaba una
cadencia libre totalmente improvisada. Muy bien integrado al lenguaje
bandistico, por cierto, por parte del Dr. Fritze.[1]
Al respecto de esta cuestión hemos
podido establecer un nexo de unión en el triángulo: Gregory Fritze, Rafael Sanz-Espert, Jesús Santandreu, como
máximos responsables del incipiente movimiento de tercera corriente que se está
asentando en la comunidad valenciana en el ámbito de las tradicionales bandas
de música.
Su primera relación con la actualidad musical española surge en 1988, cuando a petición de una banda valenciana (dirigida por el maestro Francisco Carreño Garrido) compuso la pieza Festival Overture. En 1993, viaja a España para conocer al maestro Carreño en Buñol. A raíz de este encuentro la figura de Gregory Fritz se asociará al panorama musical español (y sobre todo valenciano), una relación que sigue muy viva en la actualidad, ya que es uno de los principales pilares y figuras del campus de la Berklee College of Music en Valencia.
Think of Jazz (2011)
El estreno de la obra Think of Jazz, concierto para sexteto de
jazz, banda sinfónica y coro, aconteció en el acto de clausura de la XII
edición de “Com Sona l’ESO”[1], el
día 13 de mayo del 2011 a las 22:00 en la plaza de toros de Morella
(Castellón). Think of Jazz fueuna composición encargada por el equipo
organizador de “Com sona l’ESO”. Este encuentro musical nació en el año 2000,
con el impulso de profesores que impartían la docencia en la Comunidad
Valenciana, Cataluña y las Islas Baleares.La cita sirve como reivindicación de la importancia de la música, ya que
ha tenido papel secundario durante muchos años en la ESO. Durante los días que
dura “Com sona l'ESO”, los alumnos ponen en práctica las propuestas y proyectos
didácticos que se han llevado a cabo en el aula y, que de esta forma tienen una
continuidad y puedan darse así a conocer y ser fuente de futuras propuestas. El
sexteto jazzístico encargado del estreno estuvo formado por: Albert Palau al
piano, Felip Santandreu a la batería, Alessandro Cessarini al contrabajo, Toni Belenguer
al trombón, Voro García a la trompeta y Jesús Santandreu al saxo tenor.
Think of
Jazz es una pieza concertante que basa su
desarrollo partiendo de un intervalo de 5ª. Toda la introducción contiene el
código genético del desarrollo de la obra en su totalidad y las melodías
generalmente forman un contorno bastante angular. La parte sinfónica tiene una
presencia de igual relevancia a la del sexteto solista y cada componente del
grupo de jazz tiene a su vez intervenciones solistas improvisadas dentro de una
estructura armónica. Básicamente la obra se compone de 4 exposiciones de temas
diferentes (consecuencia del desarrollo de la idea original o temas anteriores)
con sus desarrollos y transfiguraciones.
El lenguaje de la pieza viene dado
por incursiones en el Hard Bop de forma general. La parte orquestal tiene un
nivel medio de dificultad y está escrita en un lenguaje académico tradicional
completamente comprensible. Es una pieza muy fácil de entender para los
intérpretes de la banda que no estén demasiado familiarizados con el lenguaje
del jazz pero que requiere un sexteto de jazz con jazzistas profesionales;
buenos solistas y buena sección rítmica. La pieza dura alrededor de 22 minutos.
Para el estreno, se contará con tres coros sumando 800 estudiantes de ESO y la
banda sinfónica de “Com Sona L’eso”, compuesta por los estudiantes músicos de
enseñanza secundaria. Las dos versiones de la letra, una en valenciano-catalán
y otra en inglés fueron compuestas por Vicen Tormo. Los asesores para la parte
de Body Music fueron Mamen Bautista y Moisés Bautista. El Honorable Maestro
Alexis Calvo (gratitud por todas sus inteligentes y valiosas observaciones)
dirigirá Think of
Jazz.[2]
Aquí
tenemos un claro ejemplo de third stream valenciano,
donde se combinan por parte de Jesús Santandreu la tradición hard bop heredada
de la época del Perdido Club de Jazz, con la tradición sinfónica bandística
valenciana, para crear algo nuevo, fresco y distinto, sin duda una tercera
corriente. [3]
A
pesar de que ambas obras Oneiric
Discourse y Think of Jazz están
compuestas a la par, poseen una diferencia sustantiva, mientras Think of Jazz estaba pensada para ser
interpretada junto a alumnos de la ESO, Oneiric
Discourse, según leemos en las notas al estreno deJosé Buenagu, es un concierto para
sí mismo. Sin duda, este hecho, a pesar de que ambas obras tienen también
varias coincidencias, eleva aOneiric Discourse como obra cumbre del third stream valenciano hasta la fecha.
Esta obra que también
se planifica sobre una formación estándar para banda, incluye además contrabajo
y piano integrados en la plantilla general. Así pues el saxofón tenor
interpretado por Jesús Santandreu es el único instrumento con un tratamiento
jazzístico, pero éste está elevado a muy altas cimas, suponiendo justamente
este hecho un problema a la hora de editar la partitura, ya que numerosos
pasajes de la obra son improvisados por el autor, el que nos ha declarado no
disponer aún de una partitura definitiva para la parte del solista.
Una vez más, a pesar de que el
propio autor nos declara en la entrevista realizada para este trabajo, que no
ve ninguna relación entre la inclusión de los estudios de jazz en el
conservatorio superior de Valencia el año 2009, y la eclosión de su obra
sinfónica, a partir de la elección de su obrala Noche de Brahma como pieza
obligada en el Certamen Internacional de Bandas "Ciudad de Valencia"
en el año 2010, las fechas de sus principales trabajos hablan por sí solas:
-2007
Out
of de Cage
-2008 Sound
Colors
-2008 Neumatofonía
-2009
Inclusión de los estudios de jazz en el conservatorio superior de Valencia
-2010
Sortes Diabolorum
-2010
La Noche de Brahma. Obra obligada del
CertamenInternacional de Bandas Ciudad
de Valencia
-2011
Think of Jazz
-2011
Oneiric Discourse
Analizando
objetivamente la obra de Jesús Santandreu correspondiente al final de la
primera década del siglo XXI, podemos observar claramente que sus discos de los
años 2007 y 2008, son netamente jazzísticos, aunque, como ya hemos dicho, con
un fuerte ingrediente intelectual y experimental que lo relacionan directamente
con el afán y objetivos de la tercera corriente. Al final del año 2008 y por
encargo del IVM, compone su obra Neumatofonía
para el disco Brassiana de Spanish
Brass Luur Metals en colaboración con Ramón Cardo y Lluís Vidal, máximo
responsable del trasvase third stream
a Valencia. Podemos considerar esta obra claramente como de transición, ya que
en ella se concentra el trabajo del quinteto de metales con el trío de jazz,
que en su estreno original corrió a cargo del propio Lluís Vidal Trío, con
David Xirgu, batería de la Orquesta del Teatre Lliure, donde a su vez también
residió Ramón Cardo.
A partir del año 2009, año de la inclusión de las enseñanzas
superiores de jazz en el conservatorio superior de Valencia, la obra de Jesús
Santandreu se torna rabiosamente sinfónica, con destellos e influencias
místicas y orientalizántes, cómo podemos observar en sus títulos y en los
comentarios de las ediciones de sus partituras: Velo de Isis, Sortes Diabolorum y La Noche de Brahma.
Como hemos podido contrastar con el
autor en la entrevista que le hemos realizado, justamente, su adscripción a la
tercera corriente no viene por el hecho en sí de tocar o no obras de jazz, sino
por la inclusión y la fusión de las técnicas de composición de música clásica
contemporánea con el espíritu y las técnicas jazzísticas, creando una tercera
vía que no es expresamente ni la una cosa ni la otra, pero comparte con ambas
sus principales características.Y por
fin después de su reconocimiento oficial del año 2010, en el 2011 sus obras Think of Jazz y Oneiric Discourse, se tornan cien por cien third stream, combinando formaciones jazzísticas con ensemble
sinfónico e improvisación con composición, y asentando a Jesús Santandreu como
el máximo exponente third stream en
Valencia.
6.Conclusiones
Hemos podido constatar que en 1949 se editó por primera vez la
partitura del Concierto de Aranjuez del
maestro Rodrigo y que posteriormente, entre 1959 y 60 fruto de la colaboración
de Miles Davis con el arreglista Gil Evans, segravó Sketches of Spain, disco
que se abre con una versión del Concierto
de Aranjuez de Joaquín Rodrigo. Constituyendo este evento la primera
relación entre música clásica valenciana y jazz internacional.
Posteriormente los
años setenta han marcado el inicio de la aventura docente del jazz en nuestro
país, en el año 1978, comenzó a funcionar en Barcelona el Aula de Música
Moderna y Jazz, y en 1979 fue creado El Taller de Musics de Barcelona.
En la década de 1980, la apertura del Perdido Club de Jazz
en Valencia, reactivó y asentó la primera generación de jazzistas valencianos. Esta primera ola del jazz valenciano, allanó
el camino de una segunda generación, los saxofonistas Perico Sambeat y Ramón
Cardo, regresaron de estudiar en el Taller de Musics de Barcelona, resultando
ambos piezas fundamentales del trasvase estilístico Barcelona-Valencia.
Este trasvase estilístico se plasmó en la creación de un
incipiente “Corredor Mediterráneo del Jazz” en las últimas décadas del siglo
XX, en donde Valencia aportaba material humano y Barcelona estructura
cosmopolita y estética. Auspiciadopor
su ferviente“Layetanismo” radicado en
su sala Zeleste,probablemente, fue en
este momento histórico donde se fraguó un gusto mediterráneo en el jazz y las músicas
urbanas, diferenciado del germen madrileño iniciado por Pedro Iturralde, (que
devendría en la estética conocida como flamenco jazz), y con lo popular como
centro de atención y lo mediterráneo como elemento característico y
diferenciador. De ahí surgieron los “nuevos estándars del corredor mediterráneo
del jazz” basados en las músicas clásicas de los maestros Rodrigo y Mompou, que
a su vez bebían de las músicas populares, o directamente de estas músicas
populares, como la Moixeranga del
disco “Son Mediterráneo” de Ximo Tébar, o las versiones del Misteri d’Elx de Perico Sambeat, o los
fandangos del Metalls d’estil de
Ramón Cardo, o las Canciones y Danzas
“mompianas” del Daniel Picazo Trio.
Todos estos trabajos tiene un punto de unión fundamental con
el disco fundacional: Orquestra de Cambra
Teatre Lliure and Lluis Vidal Trio de 1995, y es justamente la revisión de
sus raíces populares autóctonas desde un punto de vista jazzístico y
contemporáneo, aunando composición e improvisación.
En esta dirección resultan reveladoras estéticas como el
“Son Mediterráneo” del aludido guitarrista valenciano Ximo Tébar en este mismo
año de 1995 y que han tenido su resonancia actual en trabajos como las “Mediterrànies”
de Albert Sanz.
Este “Corredor Mediterráneo
del Jazz”, que se creó vía Taller de Musics con la figura de Lluís Vidal como
centro del triángulo Boston, Barcelona, Valencia está expandiéndose por toda
Andalucía en el s.XXI,de camino por Clasijazz en Almería con el
estreno del “Epitaph” deMingus de la
mano de su directortitular Ramón Cardo,
de las versiones andaluzas de los Conciertos
Sacros de Ellington dirigidos por Perico Sambeat. Finalmente ha llegado a AsseJazzen Sevilla con elestreno por parte de la Andalucía Big Band
del “Compendium” de Jesús Santandreu, relaciones estas que igualmente
revertieron en la figura del MalagueñoErnesto Aurignacy de sus estreno
de Charlie Parker with Strings y con las obras magnas, netamente third
streamdel saxofonista: “Uno” y “Dos”
que viene de camino por ese corredor que transitan en ambas direcciones los
músicos de jazz valencianos y andaluces.Así pues, si durante el final del siglo XX, Valencia recibió la
influencia de Barcelona, sin duda durante el inicio del siglo XXI es Valencia
quien está ejerciendo esta influencia decisivamente por toda Andalucía.
¿Qué elementos han
coincidido en el auge y la independencia estética del Jazz Valenciano? Realmente
existe cierta tradición en Valencia con respecto a la fusión entre estos tres
elementos: cant d’estil, jazz y música de bandas. En 2006 el dolçainer Xavier
Richart editó el cd “Vent de Llevant” bajo la producción del pianista de jazz
valenciano Ricardo Belda, además de diversas colaboracionesdel cantaor José Aparici “Apa” con Big Band
de Jazz, el ensemble de saxos contemporáneo “Saxaes” realizó en 2009 la grabación del discoSaxaes&Amics
(Sedajazz Records), en el cual colaboran e interactúan músicos de jazz con
músicos y cantaores de Cant d’Estil. En el año 2013, Spanish Brass encarga al
saxofonista y compositor de jazz valenciano Ramón Cardo, un proyecto entorno a
la música tradicional valenciana y el jazz, esta vez con la colaboración del
“cantaor” Pep Gimeno “Botifarra”, y en 2015 el pianista de jazz valenciano
Albert Sanz estrena La Suite de L’emigrant,
en donde podemos encontrar la fusión del jazz con músicas de raíces de la mano
del cantaor de Gandía Carles Dènia.
A partir del año 2010
la carrera musical de Jesús Santandreu da un vuelco, revelándose como uno de
nuestros más prometedores compositores de música sinfónica para ensemble de
viento con los estrenos de sus obras Sortes
Diabolorum que estrenó en Brasil la “Orquesta de Sopros Brasileira-Banda
Sinfónica” el día 28 de Mayo de 2010,dirigida por el maestro Darío Sotelo y La Noche de Brahma, que fue elegida Obra Obligada para la Sección
1ª dentro del Certamen Internacional de Bandas de Música de Valencia 2010,
constituyendo una especie de reconocimiento oficial a su trabajo por parte de
las instituciones de su ciudad de origen, trabajo profundamente enraizado en el
mundo jazzístico y que se ve consolidado en esta vía intermedia entre jazz y
música clásica, con sus posteriores obras: Think
of Jazz, concierto para sexteto de jazz, banda sinfónica y coro que se
estrenó en el acto de clausura de la XII edición de “Com Sona l’ESO”, eldía 13 de mayo del 2011 en la plaza de toros
de Morella (Castellón)y Oneiric Discourse concierto para
saxofón tenor y ensemble sinfónico de vientos, encargo del maestro Mathew
George para la Universidad de St. Thomas en Minnesota que se estrenó el23 de octubrede 2011.
Estas obras y su
constante línea de formación y trabajo, van a asentar a Jesús Santandreu como
el más importante compositor de música de tercera corriente jazzística, en el
panorama de la música actual en Valencia, con la particular característica
autóctona que supone la revalorización y modernización del repertorio de
nuestras tradicionales Bandas de Música.
Aquí tenemos un claro
ejemplo de third stream valenciano,
donde se combinan por parte de Jesús Santandreu la tradición hard bop heredada
de la época del Perdido Club de Jazz, con la tradición sinfónica bandística
valenciana, para crear algo nuevo, fresco y distinto, sin duda una tercera
corriente.
Al respecto de esta
cuestión hemos podido establecer un nexo de unión en el triángulo: Gregory
Fritze,Rafael Sanz-Espert, Jesús
Santandreu, como máximos responsables del incipiente movimiento de tercera
corriente que se está asentando en la comunidad valenciana en el ámbito de las
tradicionales bandas de música.
Resulta curioso
observar la siguiente apreciación: ninguno de los autores entrevistados ha
visto una relación directa entre la inclusión de los estudios de jazz en el
conservatorio superior de Valencia en el año 2009 y la evidente profusión de
trabajos jazzísticos con influencia de las músicas clásicas y populares que se
han realizado en los aledaños de esa fecha, multiplicándosesubstancialmente con la llegada de la segunda
década del siglo XXI. Queremos resaltar desde este trabajo que no pensamos que
este hecho sea casual, y justamente una vez más observamos que este
acercamiento de la música popular valencianaa las “músicas cultas” clásicas y jazzísticas, ha precedido de nuevo a
la inclusión del “Cant d’Estil” y las músicas populares valencianas en los
conservatorios profesionales de música en Valencia.
Como ya hemos expresado
en la introducción de este trabajo, no sabemos exactamente qué criterios se han
seguido para introducir los estudiossuperiores de jazzdirectamente
en el conservatorio sin que existan unos estudios de grado profesional previos,
como en el caso del cant d´estil
y las músicas populares, pero el hecho es que en la actualidad ambas enseñanzas
cuentan en una u otra medida de un estatuto oficial en Valencia.
Así pues, y volviendo a
las preguntas iniciales que han generado el presente artículo: ¿constituye el
jazz un motor de evolución y acercamiento entre las distintas culturas
musicales tradicionales, clásicas, y populares? Evidentemente, hemos demostrado
en el presente artículo, que no solo el jazz valenciano ha constituido un motor
de evolución y acercamiento entre las distintas culturas musicales tradicionales,
clásicas, y populares, sino que además en el transito del siglo XX al XXI ha
expandido su influencia en un Corredor Mediterráneo del Jazz por toda la costa
mediterránea española, incluso esta influencia del jazz valenciano ha saltado
el estrecho, y a través de Berklee Valencia está influyendo plenamente en los
músicos canarios radicados en Valencia como Polo Ortí o David Minguillón. Ahora
bien, ¿Cómo se ha reflejado este auge y aumento de la influencia del jazz
valenciano en su propio sistema de enseñanza territorial? ¿Qué idiosincrasia ha
generado el hecho de haber implementado unas enseñanzas superiores de jazz sin
que previamente existieran unas enseñanzas profesionales?, justo con un
itinerariocontrario a la inclusión de
las enseñanzas de “Cant d’Estil” y músicas populares. ¿Recogen los estudios
valencianos de jazz, su riqueza cultural especifica en una transversalidad
propia como la reflejada en sus bandas de música autóctonas?
Es por estas cuestiones
que instamos al Consell Valencia de Cultura, como máximo organismo consultivo
en materia cultural del gobierno de la Comunitat, a realizar un informe
comparativo sobre los resultados obtenidos en esta década de implantación de
los estudios oficiales de jazz y músicas populares, que reflexione sobre la
adecuación de los itinerarios recorridos y la asunción de una transversalidad
que deviene como el auténtico sello característico del jazz valenciano:
tradición y modernidad en el siglo XXI.
7.Referencias
CARDO
RAMÓN. Caratula del disco Per L'altra
banda Valencia: Institut Valencià de la Música, D.L. (2003).
