domingo, 5 de agosto de 2018

Festivales veraniegos de jazz valenciano ¿Globalización o endogamia?

Hace un par de años, y siempre por estas fechas, abrías cualquier periódico y podías encontrar una o varias noticias donde se reivindicaba la presencia de músicos locales, escasa en nuestros festivales foráneos, como parece ser no sucedía en otros países más civilizados… Este era tema obligado en cualquier entrevista a los músicos valencianos de jazz en época de festivales.  Desde hace un par de años justamente esta tendencia se ha invertido, y como no… ahora la prensa brama en contra de esta nueva tendencia, argumentando el fin, al menos del adjetivo  “internacional” que se solía adjuntar al lado del nombre de la población de turno.
Ya hemos oído estas críticas con respecto al XXI Festival de Jazz del Palau y también acerca del XIV Festival “Internacional” de Jazz de Peñíscola. El problema reside, en este último caso, en que hay un escenario paralelo: Jazz a la Serena, donde actúan “los músicos valencianos” con sus habituales caches y condiciones… y el gran escenario del Palacio de Congresos de Peñíscola donde se solía acoger a las figuras “Internacionales”.
Personalmente no conozco, la nueva situación política, ni si esto ha supuesto una merma de presupuesto, el año pasado actuó  Diana KrallMadeleine Peyroux… pero este año hemos tenido “Compendium” de Jesús Santandreu al frente de SedaJazz “all Stars” y la “Soleo” Band de Ximo Tébar cargadita de bombo con el pianista cubano Luis Guerra, la vuelta a los escenarios del súper bajista eléctrico valenciano César Giner y Nathaniel Townsley a la batería. Quizás esta sea una posible fórmula de conciliación entre lo internacional y lo local, mezclando plantillas, e invitando a solistas internacionales como aconteció con la presentación valenciana de la obra de Santandreu en el festival del Palau, estreno compartido con un doble programa por parte de la Sedajazz Big Band quien completó la jornada con la presencia y dirección del “padre” de la trompeta moderna Jack Walrath.  

Con respecto a esta segunda presentación valenciana de “Compendium” os emplazo a que leáis la entrevista que le realicé al autor, publicada en este mismo diario el pasado mes de Julio bajo el epígrafe: “Compendium”, amalgama de ideas. “Jesús Santandreu y Sedajazz Big Band se rodean de la “plana mayor” del jazz valenciano para interpretar su última obra en el Palau de la Música. Sin duda la obra más ambiciosa jamás escrita para big band en Valencia (aunque me atrevería a decir en España), ya que, por si no lo sabéis tenemos la big band más potente de la nación…, lo dicho leer el artículo del pasado número especial del periódico…
No obstante son muchos los aficionados al jazz que echan de menos las programaciones “estelares” de pasados años organizadas por el promotor internacional Julio Martí. Algunas de las propuestas, además de las ya apuntadas como las dobles programaciones con teloneros y las invitaciones a solistas internacionales, consistirían en programas de intercambios con otros países y programadores, y las quejas más comunes que hemos podido recoger por parte de los músicos, versan en general, sobre  los cachés que se pagana los músicos locales no está a la altura en comparación con los que se pagan a los músicos importados.  
Por otro lado la afición, igualmente de manera general, argumenta que durante todo el año tenemos ocasión de ver a nuestros músicos, y que los festivales de verano son para ver a artistas menos habituales, respaldando esta opinión se argumenta que: lo que tienen que hacer los músicos locales es proyectar su carrera  a  nivel internacional, eso sí con ayuda y apoyo de las instituciones, pero no con subvenciones.
Hoy tenemos un gran nivel de músicos de jazz en Valencia, el próximo paso es que se abran a otros circuitos y festivales internacionales porque estoy seguro que tienen nivel para que así sea, a lo mejor lo que hace falta es estructura comercial, ¿Por qué no un festival veraniego del estilo de Donostia, Vitoria y Getxo? 

viernes, 27 de julio de 2018

Breve historia de "Compendium" de Jesús Santandreu


El sábado 8 de julio del 2017, asistimos a un nuevo hito en el marco de la 21 edición del Festival de Jazz al Palau de La Música: el estreno valenciano de la obra para big band de gran formato (más de 40 minutos) “Compendium” de Jesús Santandreu al frente de la Sedajazz Big Band, que contó además de con la “plana mayor del jazz valenciano”, con la participación como músico invitado del padre de la trompeta moderna: Jack Walrath. 
Esta misma formación se encargó posteriormente de la la grabación del Cd que acaba de ver la luz en el sello de Sedajazz, pero realmente la obra tenía una historia mucho más larga... 
Recupero a continuación una entrevista que le realice al  autor con motivo del estreno valenciano y que fué publicada en el periódico lasBandas el pasado mes de Julio del 2017.  

Compendium

Conversaciones con Jesús Santandreu

José Pruñonosa 20/06/17
1 Compendium Estreno Absoluto. Foto cedida por Jesús Santandreu

José Pruñonosa: El pasado 17 de marzo tuvo lugar el estreno absoluto de tu obra para big band de gran formato “Compendium” en la sala Turina del auditorio de Sevilla por parte de la Andalucía Big Band. ¿Este estreno fue fruto de un encargo por parte de esta formación?
Jesús Santandreu: “Compendium” es una pieza que quería escribir ya hace mucho tiempo. Llevaba dándole vueltas a la posibilidad de realizar una obra de gran formato para big band intentando prescindir de un diseño compositivo previo. Empecé a escribir una línea, sumando ideas y buscando un “leitmotiv” que sirviera de nexo de unión y me puse a orquestar. Tardé tres años en realizar esta obra, porque no estuve trabajando constantemente en ella. Cuando estuve como compositor residente y director asistente en la Dunshan Symphonic Wind Orchestra  de China no trabajé en ella durante 10 meses. La obra surgió a raíz  de terminar mis estudios de composición y dirección en la MTSU (Middle Tennessee State University) de Murfreesboro en Nashville (Tennessee), empecé a escribirla después de llegar a casa la primera noche. Fue un reto, intenté poner a prueba lo que podía dar de sí mi imaginación.
2 Jesús Santandreu al frente de la Andalucía Big Band. Foto cedida por Antonio Torres Olivera
JP: ¿Quizás de ahí viene el título “Compendium”?
JS: Exactamente, el título hace  referencia al compendio de ideas que amalgamé en la creación de esta obra. Intenté quitarme al “miedo a componer” y empezar a escribir compulsivamente sin saber exactamente lo que buscaba.
JP: ¿Cómo aconteció el interés de la Andalucía Big Band por estrenar esta obra?
JS: Estuve tocando el pasado año con ellos, me faltaba poco para acabarla y surgió la propuesta por parte de esta formación. Hicieron un trabajo inmenso, es una obra en la que básicamente no hay improvisación, está todo escrito y esto la diferencia de otras obras del mismo género.
JP: El próximo sábado 8 de julio se estrena en el marco del XXI Festival de Jazz del Palau, en la que estarás dirigiendo a la Sedajazz Big Band con los más importantes músicos de la escena valenciana. Se trata de un doble programa ¿Qué repertorio interpretareis en la segunda parte del concierto? 
JS: Para tocar “Compendium” hemos elegido a la “plana mayor” del jazz valenciano: Perico Sambeat, Vicente Macián, Alexey León, Latino, Joan Benavent, en los metales tenemos a Voro García, Raul Chocolate, Pep Zaragoza, Toni Berenguer… están todos.
En la segunda parte contaremos con la misma formación, aunque aún no sé si dirigiré yo, o me sumaré a la cuerda de saxos, y tendremos como invitado a  Jack Walrath, que estuvo con la big band de Mingus mucho tiempo, yo creo que es el padre de la trompeta moderna. En la segunda parte del concierto interpretaremos sus arreglos para big band.
JP: ¿Cómo se relaciona esta pieza para big band de más de 40 minutos en el cómputo global de tus obras sinfónicas?   
JS: Imagino que siempre hay una evolución… Lo que tengo claro es que quiero ir hacia un proceso de creación más espontaneo, aunque después el trabajo de orquestación sea más elaborado, pero partiendo de una gestación intuitiva.
JP: Seguramente detrás de esta espontaneidad aparente estará todo tu bagaje como compositor, como improvisador, y también últimamente como director tanto de formaciones clásicas como jazzísticas…
JS: No estoy seguro…, esta es una pieza para big band dentro de los canones de esta estética, puede ser que haya algunas texturas no tan jazzy…, se trata básicamente de una obra jazzística. En esta pieza trato de experimentar hasta qué punto se puede mantener un clímax inacabable. Es posible que en un principio el germen de este pensamiento viniera de la obra sinfónica de Mahler, de su capacidad de desarrollo. Cada vez que escribo una pieza intento no repetirme, intento expresar otros conceptos.
JP: Muchas gracias Jesús por tu atención, espero que sea todo un éxito y ahí nos tendrás el día 8 de julio en el Palau para asistir al estreno valenciano.   

miércoles, 18 de julio de 2018

Ximo Tébar cierra la 22 edición del Festival de Jazz al Palau presentando “Con Alma & United”


El martes 8 de Julio de 1997, a las diez y media de la noche la Ximo Tébar Band ponía el acento valenciano al recién inaugurado Festival de jazz de València en su primera edición, hace ahora justamente 22 años. Realmente Graham Foster, otro de los invitados en aquella primera ocasión, también estaba por entonces radicado en Valencia con su “Major Blues Band”. Las otras figuras del escueto Festival internacional fueron: Chick Corea con Gary Burton, Joe Henderson y Ray Charles. Visto lo visto, ha llovido mucho desde aquel año, para que ahora, en esta 22 edición hayamos contado con un total de 25 actuaciones que se han unido al 19 seminari internacional de jazz al Palau. Si en estos 22 años ha cambiado cuantiosamente la cantidad de jazzmen y aficionados valencianos, para sustentar estas 25 actuaciones, lo que no ha cambiado es la intención de “agradar a todo el mundo” que ya se traslucía en aquella primera edición del año 97.   
Esta 22 edición la ha abierto la “Orquestra de València”, cuya participación se está asentando como costumbre, dirigida por su nuevo director titular Ramón Tebar y con el pianista Nachito Herrera como arreglista y solista. Esta formación debutó en el Festival  el pasado año dirigida por Jesús Santandreu, quien en esta ocasión ha dirigido a la Banda Municipal de Valencia, que se une a esta celebración con el tradicional concierto gratuito en los jardines del Palau, y que en esta ocasión se estrenó con un concierto  dirigido por David Pastor de la gran banda femenina Micaela Chalmeta  Big Band.
También en esta 22 edición se han asentado los conciertos paralelos al Palau: “Jazz als barris i pobles”, con 8 conciertos en las plazas y paseos, por los que han desfilado: Mauri Sanchis, Cristina Blasco, Kontxi Lorente, Chema Peñalver, BRB, Blau Barba, The Prototype y Nina Dinamita, liderando las  formaciones valencianas que se han unido a las estrellas nacionales e internacionales “a partes iguales” que han recorrido ambas salas del Palau: Clasijazz Big Band “Epitaph de Charles Mingus”, Berklee València Faculty All Stars, Ron Carter, Pat Metheny, Lambchop, Salvador Sobral, Kenny Garret , Al di Meola, Brad Mehldau, Antonio Lizana, Amparo Sánchez (Amparanoia), Voro García, Perico Sambeat, Buika, Benny Golson, y este pasado martes 17 cerrando el festival Ximo Tébar nos presentó su nuevo disco.
Tebar tiene una marcada tendencia a lo cíclico. En este disco: “Con Alma & United” estemos asistiendo a la gestación de un nuevo trabajo basado en la recreación, siempre peculiar y progresiva de estándars, que  nos retrotrae a sus mejores trabajos en esta línea: “Eclipse” (2005) y “Steps” (2008).  Uniendo “en cuerpo y con alma” los estándars de Wayne Shorter,  (con la colaboración de Jorge Pardo)  y de Dizzy Gillespie, con la neoyorquina colaboración de Arturo O’Farrill, en una nueva vuelta de tuerca a la carrera de nuestro guitarrista: del Son Mediterráneo al Mainstream Progresivo. 
La nueva Ximo Tébar Band está compuesta, ya desde la pasada gira “Soleo”, por Victor Merlo, director musical de Sabina y Serrat, al bajo, Nathaniel Townsley, batería de Joe Zawinul, y en estas últimas giras de Alejandro Sanz, a la batería y Guille Tébar con el sobrenombre artístico de Will Martz a los teclados y scats vocales. En la banda ha faltado en esta ocasión el músico cubano Luis Guerra al piano, que se encontró esa misma noche en los Viveros acompañando a Niña Pastori, lo cual, una vez más nos recuerda que el jazz y las grandes atracciones comparten músicos pero no cachés…
 La actuación ha comenzado a solo por el maestro con una cadencia flamenca  que ha desembocado de manera natural  en el brasileiro estándar de Luiz  Bonfa “Manha de Carnaval”, única pieza que no se encuentra en el nuevo Cd.  Seguidamente hemos podido disfrutar de manera ininterrumpida de los arreglos de los dos estándars de Guillespie y Shorter  que dan nombre el Cd: “Con Alma & United”, anticipados por la entrada de Nathaniel, que ha dado paso a la característica pseudo-bulería, un tanto sambera, intercalada de coros swing.  Tras la exposición, solo de Victor Merlo y su “Sadowsky” que ha sonado de maravilla a los mandos del también veterano Jorge Pérez Soria. La amalgama flamenco-sambera, característica rítmica del “Son Mediterráneo”, se ha mantenido constante. –Es el segundo tema y el público ya jalea la exposición con palmas– Impresionante el primer solo de Nathaniel por “alegrías brasileiras”. 
Como contrapunto, a continuación, se ha interpretado otro pequeño “popurrí” con dos piezas del anterior trabajo, uniendo el clásico “Son Mediterráneo” con “Soleo”, a modo de recreación de la estética que dio fama internacional al guitarrista. –Tercer tema y el público coreando los riffs de guitarra–
El puente entre las estéticas de ambos discos: “del Son Mediterráneo al Mainstream Progresivo” lo ha puesto el obligado “Adagio del Concierto de Aranjuez”, haciendo honor doblemente a la Sala Rodrigo del Palau, ya que la pieza se ha introducido en esta ocasión con un flamenco detalle de “Por los campos de España”, concretamente con el arranque del primer tiempo “Por los trigales”. Sorpresivamente, Guille a los sintetizadores, ha enlazado con la intro del “Deborah’s Theme” (Once upon a time in America) de Ennio Morricone, mientras su padre “jugueteaba” a la guitarra con la "Rhapsody in Blue" de Gershwin para dar paso al tema estrella del disco: “Take Five”, homenaje a All Jarreau. Vía libre en cinco por cuatro al punto clímax del espectáculo–El público corea de nuevo el célebre background vocal de All, mientras Nathaniel “hace su trabajo”. El público  se viene arriba en aplausos, mientras suena la descarga sambera que introduce el estándar de  Nat Simon, también celebrado por Ahmal Jamal: “Poinciana”, pero en esta ocasión transformado en energía pura con un broche blusero en el riff final del guitarrista.
El bis ha sido otro de los temas preferidos del público, perteneciente a su neoyorquino trabajo del 2008 “Steps”, en el que Tébar hizo suyo el clásico de Mancini “Pink Panther”, comprometido arreglo que Raúl de Gamma, critico de “All About Jazz Ny.”, catalogó como: “The sound of surprise”, y es que Tébar después de estas 22 ediciones del festival aún sigue sorprendiéndonos.   

sábado, 14 de julio de 2018

"Con Alma & United". Ximo Tébar del Son Mediterráneo al Mainstream Progresivo.


Un poco de Historia…




El 11 de Octubre de 1988 se lanzó Aránzazu DMJ 39, el primer Lp en formato vinilo del Ximo Tébar Jazz Group, por la compañía especializada en cantautores, jazz y músicas de raíz: Difusió Mediterrània. Ximo había ganado el premio al mejor solista en la edición de este año de la Muestra Nacional de Jóvenes Intérpretes, y Paco Montes comunicador y compañero de Juan Claudio Cifuentes, le propuso la grabación de este disco en los estudios de RNE (Radio Nacional de España).  

En la siguiente edición del Festival de Jazz de Ibiza (1989), sede de la muestra, Ximo volvió a ganar, esta vez como mejor solista y como mejor grupo. El premio incluía, además de una dotación económica, la posibilidad de grabar un disco. Anís del Gnomo Elígeme Discos IELP 0007, se grabó entre el 23 de enero y el 4 de febrero en los Estudios Pertegás. Este trabajo además de tratarse de un “larga duración”, consolidó la formación ganadora del festival, esta vez con el que sería su batería titular: Felipe Cucciardi, además de Ricardo Belda al piano y Lluís LLario al contrabajo. Este disco también contaba con las colaboraciones de los saxofonistas Dave Schnitter y Jorge Pardo, el percusionista latino Rubén Dantas y los flamencos Juan Carlos “Peti” al cante y Ricardo Esteve guitarra flamenca. Aquí nació el sonido que posteriormente sería bautizado como “Son Mediterráneo”. 

"Live in Russia" (1992) precedió su tercer disco de estudio "Te Kiero con K" (1992) en el proceso de consolidación del “Son Mediterráneo”, estética esta que se consagraría en el trabajo del 95 realizado para Warner bajo este mismo título. De igual manera, el trabajo que celebró esta estética 25 años después: "Soleo. The New Son Mediterráneo Celebrating 25th" está antecediendo el lanzamiento inminente de su último trabajo discográfico: "Con Alma & United"  justamente 30 años después de que todo empezara en el Festival de Jazz de Ibiza en 1988. 

Tébar tiene una marcada tendencia a lo cíclico, tendencia esta  que se inició con el lanzamiento del primer volumen de la serie “The Jazz Guitar Trio”: Hello Mr. Bennett DMCD7 (1993). Desde este momento, religiosamente, se sucederán de manera alterna un disco de esta serie mainstream con otro perteneciente a alguna de sus estéticas más progresivas, que abarcaron desde el Son Mediterráneo,  al  Smooth Jazz de la época Warner, hasta que finalmente en la etapa americana del guitarrista todas sus estéticas anteriores convergen en un idioma que comparte ambos mundos, y que no hemos tenido más remedio que rebautizar con el nombre de “Mainstream Progresivo”. 

Unidos en cuerpo y “Con Alma”…

Si tienes el privilegio de estar en la casa-estudio del guitarrista valenciano Ximo Tébar y poder trastear con las pistas grabadas en su Mac, puedes encontrarte sorpresas como esta: a “Pierre Boulez” tocando el Caravan, y es que sus discos están construidos y reconstruidos con numerosas capas que te permiten distintas escuchas. Raul d'Gama Rose crítico de All About Jazz. NY, definía esta característica como “Sound of Surprise”. Pues bien, yo que he tenido este privilegio aludido, puedo adelantaros que el nuevo trabajo de Tébar rebosa de “Sonidos Sorpresa” a lo largo, ancho y profundo de los ocho célebres estándars que el guitarrista hace suyos en su próximo Cd para Warner Music: Con Alma & United.  
En este nuevo disco estamos asistiendo a la gestación de un nuevo sonido basado en la recreación, siempre peculiar y progresiva de estándars, que nos retrotrae a sus mejores discos en esta línea: Eclipse (2005) y Steps  (2008). Uniendo “en cuerpo y con alma” los estándars de Wayne Shorter,  (con la colaboración de Jorge Pardo) y de Dizzy Gillespie, (con la neoyorquina colaboración de Arturo O’Farrill), en una nueva vuelta de tuerca a la carrera de nuestro guitarrista: del “Son Mediterráneo al Mainstream Progresivo”. 

La Banda… 


Ximo Tébar empezó a posicionarse en la escena Neoyorkina, tanto musicalmente como discograficamente después del lanzamiento de  Embrujado  Omix Records (04012 CD) el 30  de marzo del 2003. Consiguió un acuerdo de distribución de sus trabajos en Sunnyside Records, tomó clases con Pat Martino en su piso de Filadelfia, asistió a todas las jams posibles, y en Diciembre del 2004 ya era fijo en el Birdland con la Chico O’Farrill Afro Cuban Jazz Orquesta y miembro del grupo Riza Negra con Joe Lovano,  Tom Harrell, Dave Samuels, Dafnis Prieto y John Benitez, aparte de colaborar habitualmente con Dave Schnitter, Victor Jones y los músicos del  movimiento progresivo de Nueva York como Dario Boente, Orrin Evans, Donald Edwards, Jim Ridl, Sean Jones, Robin Eubanks, Boris Kozlov, Henry Cole, etc. 

Esta es la razón que explica y aclara la impresionante banda que ha grabado en este nuevo trabajo de Ximo Tébar. Los baterías: Nathaniel Townsley  en los cortes 2, 4, 7 y Donald Edwards en el resto. Los bajistas: Dominique di Piazza en la pista 1 a dúo con  Boris Kozlov (casi nada…) y en la 6, Victor Merlo en la pista 4, Cesar Giner en la 2 y John Benitez, bajista de Soleo, repite en la pista 7.  Los contrabajistas (¡atención…!) Ricky Rodríguez en los cortes 3, 5 y Alex Blake en el 8. El músico cubano Luis Guerra al piano en los temas 1, 2, 3, 4, 5, 7. El veterano Ricardo Belda al Rhodes en los cortes 6 y 8 y Will Martz fijo a los sintetizadores y backing vocals junto a la colaboración de su hermana Claudia Tébar y Debra Feliú en los cortes 2 y 7. Fernando García a la percusión en el corte 2. Los vientos: David Pastor a la trompeta en las pistas 1, 4, 5, 8, Roque Martínez en 1, 5, 8 y para rematar la plantilla los invitados de lujo en las pistas que dan nombre al disco: Jorge Pardo a la flauta en el corte 3 “United”, y Arturo O’Farrill piano en el 5 “Con Alma”.  

Los Temas…

Desde que salió al mercado Soleo. The New Son Mediterráneo Celebrating 25th en 2016, en las giras que se han generado alrededor de las diversas presentaciones se han ido añadiendo paulatinamente nuevos temas, además de los cortes del disco, arreglos que han ido madurando en la cabeza del guitarrista, y también en el groove de las diversas formaciones que han ido realizando esta gira. Realmente algunas de estas recomposiciones sobre los diversos estándars que configuran  Con Alma & United ya existían con anterioridad a Soleo, incluso alguna pista ya estaba grabada desde Steps  (2008). Esta es una de las razones que explica porque este nuevo trabajo de Ximo Tébar nos retrotrae a la época americana de mainstream progresivo del guitarrista, pero con la inclusión de un nuevo ingrediente: la adición de los gestos del Son Mediterráneo, como cadencias flamencas apenas sugeridas, sonoridades brillantes y contundentes grooves rítmicos dentro de un lenguaje netamente jazzístico y contemporáneo, de hecho los músicos internacionales que lo acompañan, como hemos vistos la mayoría de ellos reclutados entre el Birland, el Dizzy’s, el Fat Cat, el Smoke, (Village) 55 Bar, Zinc Bar etc…, ya a estas alturas, han asumido con naturalidad estos gestos, a la par que han imprimido su código genético en la música de Tébar.
El tema que abre el disco es Caravan. Para empezar habría que esclarecer que porcentaje de autoría le corresponde a Duke Ellington y cual a su trombonista Juan Tizol, parece ser éste el auténtico creador del tema.  No obstante seguro que Ellington lo hizo suyo en su maravilloso arreglo afro-latin, al igual que sucede  con esta versión de Ximo Tébar, como ya hemos expuesto anteriormente difícil de catalogar.  El riff de bajo que inicia el arreglo pertenece a Dominique Di Piazza. De origen siciliano, Di Piazza fue educado por su padrastro de etnia gitana. En sus giras por la India junto a John McLaughlin, desarrolló una técnica propia consistente en usar los cuatro dedos de la mano derecha en lugar de usar la técnica de pulsación de a dos dedos tradicional. Los resultados sonoros se pueden apreciar en su solo, además de en el referido obligado de la intro. El tema cuenta con el acompañamiento de un segundo bajista: Boris Kozlov, que junto a Donald Edwards forman la base sobre la que se articula el arreglo. Boris fue el bajista de la última formación del mítico saxofonista Michael Brecker, y actualmente es arreglista y director musical de la Mingus Big Band, Mingus Dynasty and The Orchestra, proyecto al que también pertenece Donald Edwards. Ambos grabaron junto con Alex Blake en el Cd de Ximo Steps (2008). Por otro lado, tenemos el dialogo constante entre las armonías de la guitarra que van desde la peculiar atonalidad de Tébar basada en patrones digitales, hasta el flamenco, pasando por el pop sugerido en algunos kicks y en técnicas como el “palm mute”, y las láminas de sonido desplegadas por el pianista Luis Guerra, totalmente en una estética de post-serialismo integral. Es curiosa la modificación melódica de la parte B del tema afrontada armónicamente con modos frigios aflamencados pero respetando el círculo de quintas descendentes que originalmente figuran en la partitura de Ellington. El trabajo de David a la trompeta muestra su versatilidad en todos los territorios sonoros, y el solo de Roque al saxo mantiene el nivel en lo más alto. Al concluir el tema podemos oír los ladridos de Herbie, el perro del pianista Luis Guerra y Pollock el de la pintora Rebeca Plana, cuya obra concebida para este trabajo ilustra la portada y las artes del Cd. Parece ser que a los canes también les gustó la “toma”.


Sobre el segundo corte: Take Five se podría escribir un libro…  El arreglo sobre el estándar de Paul Desmond, está inspirado en las versiones vocales de la pieza, concretamente en la versión de Al Jarreau, a la que Tébar rinde homenaje. En palabras del propio guitarrista:  

"Al Jarreau falleció hace unos meses y he decidido rendirle este tributo a través de esta versión que estrené en el concierto inaugural del XXX Festival Internacional de Jazz de San Javier el pasado 30 de junio de 2017... El arreglo está inspirado en la maravillosa versión que cantaba Al Jarreau recreando el riff vocal que repetía en su interpretación, y sobre todo en el concepto rítmico y climático de su versión en directo, concepto que siempre me ha cautivado y emocionado escuchándole cantar y haciendo scat... era magnífico... Por último, de forma subliminal, y desde un sentimiento muy personal e interno, también estoy rindiendo tributo a George Benson, ya que su versión de Take Five de su disco Bad  Benson  fue una de las primeras influencias e inspiraciones para mi toque de guitarra...."

La versión de Tébar da la vuelta armónicamente a la pieza original, mientras el tema A original está estático sobre la armonía modal Im y Vm, Tébar lo rearmoniza con una cadencia tonal, y mientras el tema original modula en la B a su relativo mayor con todos los grados de la escala y su IIm V7 tonal, Tébar se mantiene en una pedal modal bVII sus y Im9 con la (add11) bajo en b7.


Decía Frank Zappa que hablar de música es como bailar arquitectura, sugerente propuesta por otro lado. Se puede hablar, como hemos hecho, de la historia, el contexto y los aspectos sociológicos que envuelven a una música, pero para hablar en concreto de una música, y no bailar la arquitectura, no tenemos más remedio que centrarnos en la partitura, como única manifestación visual del hecho abstracto en sí que supone la música. Lo que por otro lado no deja de suponer una paradoja, ya que hablar sobre la audición de una realidad sonora, no deja de ser una abstracción, a menos que tengas oído absoluto. Y como este no es el caso, vamos a analizar brevemente esta brillante versión que Ximo nos ofrece en este disco.
Para empezar podemos observar en la introducción la línea vocal referida por Tébar, que Al Jarreau solía emplear en las diversas interpretaciones de la pieza. Esta línea vocal se repite a lo largo de la interpretación a modo de riff. El tema A o exposición entra, y es aquí donde podemos apreciar claramente la forma y la original rearmonización de la pieza: ABA siendo la última A irregular con solo 6 compases en contra de los 8 de las anteriores partes. También podemos apreciar la diversidad de recursos sonoros de tebar plagados de mordentes, trinos y glissandos, además de distintos y ricos matices guitarrísticos. Los cambios más interesantes vienen a partir de la modulación que realiza como final de la parte A3 de la estructura original desembocando en una especie de puente o interlude, (sustentado por lo irregular de sus 6 compases), a modo de coro del arreglista. Aquí es donde está el auténtico y original desarrollo de la pieza: sección modulante plagada de estructuras constantes m7(9) con relaciones armónicas y pequeños motivos melódicos obligados que ahora se comportan como desarrollos temáticos y posteriormente como backgrounds de los solos. La auténtica guinda del pastel es el extraordinario solo de guitarra que se desarrolla ampliamente sobre esta sección, constituyendo un magistral ejemplo de desarrollo climático, los diálogos y el punto clímax entre guitarra y batería son “de libro”, y para finalizar el tema, una larga coda ambientada con el riff vocal evocando a Al Jarreau que da paso de nuevo a Nathaniel Townsley para realizar un espectacular solo de batería en el que despliega gran virtuosismo, pulsación y control rítmico que concluye con el obligado final de la pieza. Para mí, es el tema estrella del disco.

Ricky y su hermano el pianista Robert García, eran junto al batería Henry Cole la base habitual del cuarteto de Ximo Tébar en Nueva York. Seguramente, en la misma sesión que se grabó  Con Alma, se grabó igualmente el otro corte que da nombre al disco, el estándar de Wayne Shorter United. En este caso el referido efecto de pseudo-bulería se consigue alternando las claves de bulería y swing sobre un patrón a 3/4  constante, aunque el toque del invitado Jorge Pardo a la flauta, con una de sus habituales intro a solo, reconducen la pieza más bien hacia la  “Pseudo-Alegrías” que constituye la tercera pista del Cd. 
Con Alma, quinto corte del Cd, además de un célebre estándar de Dizzy Gillespie, era la formación de world-jazz que se creó alrededor de la figura del pianista Joshua Edelman en el Perdido Club de Jazz de Valencia a finales de los 80, y a la cual pertenecían los amigos de Ximo: el bajista Nacho Mañó y el batería argentino Dito Tomassi. Seguro que desde aquella época le rondaba el tema por la cabeza… El arreglo se estrenó el 21 de abril de 2017 en el conservatorio de Puerto Rico fundado por Pau Casals, y aunque en aquella ocasión lo interpretaron Jim Ridl al piano y Boris Kozlov al bajo eléctrico, la grabación del disco cuenta con el contrabajista habitual de Miguel Zenón y de David Sánchez y Luis Perdomo Quartet: Ricky Rodríguez, que junto al batería habitual de Ximo desde los “Fourlights”, Donald Edwards, acompañaron  con la amalgama de compases 3/4 + 5/4 que Ximo denomina como “Pseudo-Bulería” en una sesión especial al pianista invitado Arturo O’Farrill,  que nos retrotrae a los solos de la versión original de Dizzy con el swing original a 4/4. A mi modo de entender un acierto este cambio de clave que aligera y contrasta la sección de solos. Los vientos de nuevo los ponen los amigos David y Roque.  


Alternando entre ambas luminosas y flamencas pistas, Ximo ha decido intercalar un clásico de Charles Mingus. En algunas de las actuaciones de su gira de presentación solía interpretar como intro para el Take Five un pasaje del estándar Goodbye Pork Pie Hat a guitarra sola, justamente porque esta pieza era el homenaje póstumo que Mingus dedicaba a Lester Young  y a la célebre forma de su sombrero. Finalmente esta pieza se ha convertido en el blues que ocupa la cuarta pista del disco de Tébar. El tema se inicia con un solo del bajista habitual de las giras de Joan Manuel Serrat por Sud America: Victor Merlo, solo ambientado por fills de trompeta con sordina a cargo de David Pastor. Al final del solo de guitarra podemos escuchar un background de trompeta y teclado con la melodía del  Round Midnight  tal cual solía tocarla Lou Bennett, maestro confeso del principio de la carrera de Ximo. Por lo que el estándar de Mingus no solo hace las veces de homenaje a Lester Young, Lou Bennett también solía usar en ocasiones un “Pork Pie Hat”, y siempre un blues en su repertorio. 


Como sexto corte una pieza clave del Son Mediterráneo, su versión del Adagio del Concierto de Aranjuez del Maestro Joaquín Rodrigo. Como hemos dicho, a veces sucede que cuando revisitas una antigua pieza, tienes la sensación de que apenas puedes tocar su estructura, ni sus solos, esto es porque esta pieza ha asumido un carácter de clásico, aun así Ximo nos sorprende con una introducción basada en la obra del Maestro Rodrigo para guitarra sola  Por los campos de España, concretamente en el arranque del primer tiempo Por los trigales. También en esta renovada versión contamos con un magistral solo de bajo de Dominique Di Piazza y su original técnica de pulsación.



 El último de los cortes de obligada referencia durante la gira “Soleo”, ha sido el que le da nombre al séptimo corte del Cd: Poinciana, y a esto, seguramente, ha contribuido la impronta de la descarga samba de la sección rítmica, con John Benitez, bajista del saxofonista David Sánchez y de los pianistas Michel Camilo y Eddie Palmieri, entre otros, y Nathaniel Townsley, batería de Joe Zawinul además de haber colaborado con: Richard Bona, Mariah Carey, Stevie Wonder, Jessica Simpson, Corey Glover, Special EFX, Chris DeBarge, R. Kelly, Dru Hill, Public Enemy, Nile Rogers & Chic and Lalah Hathaway, y el bajista francés Darryl Hall (fotografía superior).
La Poinciana es un colorido arbusto sudamericano, además de una canción popular cubana sobre la que se inspiró Nat Simon para componer su célebre estándar, que ha sido versionado por Glen Miller y Henry Mancini. Desde la versión vocal de Nat King Cole hasta la más famosa versión instrumental de Ahmal Jamal, las distintas interpretaciones de esta pieza siempre han tenido una tendencia a la balada o el medio tiempo, tendencia  que se rompe en esta revisión alegre y desenfadada de Ximo y, como ya hemos dicho, con la incendiaria samba de Nathaniel que inicia a solo el arreglo, al que se le suman a manera de coros samberos los backing vocals de los hijos de Ximo: Claudia y Guille, al que se le suma, a su vez, una tercera voz de Debra Feliú. Guille con el sobrenombre artístico de Will Martz, ha estado realizando la mayor parte de la gira Soleo, en la que al igual que sucedía con Ximo cuando trabajaba para Lou Bennett “le tocaba hacer un poco de todo”.  En esta pieza Guille “toma la alternativa” con el primer solo del corte, del que sale bien airado. Las exposiciones y backgrounds vocales de la pieza están siempre contracantadas por riffs guitarrísticos, que nacen a manera de fills pero van creciendo y creciendo hasta convertirse, después del magistral solo de guitarra, en un constante e incesante flujo, que solo se rompe en la cadencia bluesy a guitarra sola del final, donde Ximo desafina el bordón de la guitarra en el Eb, nota fundamental de la pieza.  


Si dividimos el disco en dos bloques estilísticos, marcados por los arreglos que toca el batería Nathaniel Townsley Take Five, Goodbye Pork Pie Hat y Poinciana, y los que toca Donald Edwards: Caravan, Con Alma,  Concierto de Aranjuez y  United, habría que añadir una Coda para situar al Bonus-Track  que nos ofrece Donald Edwards acompañando a Alex Blake: Bemsha Swing de Thelonious Monk. Con este tema Ximo retoma la antigua costumbre de terminar sus discos con un simpático Blues en F “med-up tempo”. Como hemos dicho, esta pieza se grabó en 2007 para el Cd Steps y ha permanecido guardada (como tantas y tantas otras joyas que Ximo atesora en su casa), hasta ahora, magnifico momento para salir a la luz y cerrar este memorable trabajo en el que también participan David y Roque imprimiendo cada uno su broma musical: David con el inicio del también monkiano estándar: Well you needn’t y Roque con un amago del Tequila. Por su parte Alex Blake despliega un percusivo solo, con scat vocal incluido, tal como solía hacer con Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, Sun Ra, Art Blakey, Freddie Hubbard, Mongo Santamaría, Stan Getz, McCoy Tyner, Nancy Wilson, Max Roach, Billy Cobham, The Manhattan Transfer, Astrud Gilberto,  Pharaoh Sanders o Randy Weston...  y algunos nombres más como reza en su web, y Donald Edwards nos regala una descarga al estilo “Marching Band” de su Nueva Orleans natal.
Por cierto a mi este tema no deja de sugerirme una sutil fusión entre la más acérrima tradición de auténtica  “Marching Band” jazzística y las fanfarrias Romaníes de los Balcanes. ¿Otra vuelta de tuerca…?

La concreción de lo abstracto…

Para terminar quiero hacer una mención a los trazos que ilustran la portada y las artes del Cd, y que se expanden por el lomo y contraportada de este: son fragmentos de la tela de gran formato en técnica mixta de la pintora de Albalat de la Ribera Rebeca Plana realizada para la ocasión y titulada al igual que el Cd. Rebeca se posiciona dentro de una abstracción 2.0, aunque el nombre del perro que ladra al final del primer corte del Cd: Pollock, nos hace pensar quizás en un expresionismo abstracto, en este caso, al igual que en toda la serie “Matalás” a través de grandes bloques de contraste de color. La energía de los trazos rotos, el constructivismo  y la luz que emanan sus coloridos contrastes nos retrotraen a la, en principio, tan distinta estética del guitarrista, pero poseedora, en el fondo, aunque no en la forma, de un expresionismo que emana del mismo lugar, la concreción de lo abstracto: musicalidad y ritmo... 
José Pruñonosa 13/07/18

domingo, 24 de junio de 2018

Influencia del jazz en las músicas populares valencianas: tradición y modernidad en el S. XXI


Con este informe queremos realizar una reflexión sobre cuál está siendo la influencia social real que ha generado el jazz en el panorama actual de las músicas populares y tradicionales en la Comunidad Valenciana desde dos puntos de vista: ¿Constituye el jazz un motor de evolución y acercamiento entre las distintas culturas musicales tradicionales, clásicas, y populares?, ¿qué idiosincrasia ha generado el hecho de haber implementado unas enseñanzas superiores de jazz sin que previamente existieran unas enseñanzas profesionales?, justo con un itinerario  contrario a la inclusión de las enseñanzas de “Cant d’Estil” y músicas populares.

  1. Introducción 
Desde que a principios de los años 80 surgiera en Valencia la primera academia privada de jazz: “Estudi de Música” en el número 23 de la calle Jacinto Benavente,  mientras se establecían en el recién inaugurado “Perdido Club de Jazz” los maestros boppers Joshua Edelman, Dave Schnitter y Sean Levitt, el jazz desde siempre ha estado detrás de la enseñanza musical “moderna”  no reglada.  Por otro lado, en este mismo momento histórico Oswaldo Blanco, manager de “Al Tall”, creaba el sello discográfico  Difusió Mediterrànea”, compañía especializada en cantautores, jazz y músicas de raíz, que promovió  el encuentro entre el jazz y la música tradicional valenciana  con discos como “Joc Fora” (V Trobada de Música del Mediterrani 1985). 
De nuevo durante la década de los 90, fue el jazz valenciano quien “tiraba del carro” a la hora de materializar estos antecedentes en centros estables como el “Taller de Música Jove de Benimaclet”, o los primeros seminarios internacionales de Jazz de la mano de la joven asociación “Sedajazz”, a la par que surgían los primeros encuentros entre jazz, musica clásica y tradicional valenciana  con el encargo de la partitura de “La Moixeranga” interpretada por Ximo Tébar en un arreglo sinfónico, junto a la Orquestra Simfònica de les Illes Balears, el 21 de junio de 1993, en una gran gala en los Jardines de los Viveros de Valencia, que bajo el lema “Les Balears es presenten” reunió a los cantantes María del Mar Bonet y Ovidi Montllor.
Finalmente durante la primera década del siglo XXI, ambas disciplinas: Jazz, “Cant d’Estil” y músicas populares valencianas entraron a formar parte de las asignaturas ofertadas en el Conservatorio de Valencia.
No obstante, no sabemos exactamente qué criterios se siguieron para introducir los estudios superiores de jazz directamente en el conservatorio, sin que existieran unos estudios de grado profesional previos, como en el caso del cant d´estil y las músicas populares, pero el hecho es que en la actualidad ambas enseñanzas cuentan en una u otra medida de un estatuto oficial en Valencia. Y es justo aquí donde surge la polémica: ¿son los objetivos de las EE.PP de música realmente  formar profesionales de la música?, y, si esto es así ¿Cuáles son los objetivos de las enseñanzas superiores de música?

Evidentemente estas cuestiones están más que resueltas en los correspondientes Boletines Oficiales del Estado, pero, ¿responden las enseñanzas actuales de Jazz en Valencia a estos objetivos una década después de su instauración? o, por el contrario se han implementado los “objetivos profesionales” en sus enseñanzas superiores debido al hecho de no existir unas EE.PP de jazz en Valencia.

1.     Las primeras Enseñanzas Musicales de Jazz en España
Los años setenta han marcado el inicio de la aventura docente del jazz en nuestro país como contestación al anacrónico sistema educativo oficial. Se pueden discutir el método y los resultados, lo que nadie niega es que “las academias privadas cambian la fisonomía musical del país” [1]
En el año 1978, comenzó a funcionar en Barcelona el Aula de Música Moderna y Jazz, dependiente del Centre d’Estudis Musicals, por iniciativa de Enric Herrera, el saxofonista Antonio Peral y Arthur Bernstein.   El Centre d’Estudis Musicals de Barcelona fue una entidad independiente creada en 1977 que elevó el nivel de seriedad y prestigio de la enseñanza de la música a nivel privado; contaba con un Aula de Jazz, Jazz-Rock y Rock.  La sección  jazzística se independizó en 1981 como escuela autónoma con el nombre de L’Aula. Aula de Música Moderna i Jazz; luego de nuevos avatares pasó a formar parte de la Fundació Conservatori del Liceu de Barcelona, en 1998 celebró su XX Aniversario. [2]
El Taller de Musics de Barcelona fue creado en 1979, bajo la dirección de Lluís Cabrera. Ambos centros abrieron sede en Madrid, L’Aula dirigida por Joan Albert Serra, se transformó en la Escuela de Música Creativa, de puertas para adentro, su línea programática tiene como objeto la formación en los fundamentos técnicos del jazz con vistas a facilitar una salida profesional al alumnado. [3]
El Taller de Músicos de Madrid fue creado en 1986, miembro de la International of Schools of Jazz (IJSJ), sigue desplegando su proyecto no solo en el terreno de la enseñanza de la música moderna, también convocando seminarios internacionales. El Taller publica cada año su Programa d’estudis/Programa de estudios, en catalán y en castellano, donde queda reflejado el sistema docente que ha demostrado ya con creces sus resultados positivos, al tiempo que ha dado varias generaciones de instrumentistas. En palabras de Fernando Hernández Les, director del Taller de Madrid:

(...) La metodología de nuestra enseñanza se basa en el desarrollo de la técnica del instrumento, así como la adquisición de una experiencia musical en grupos, combos y big-bands, con un repertorio variado. El objetivo principal es estimular la creatividad en el futuro músico de jazz.[4]

En sintonía con el momento que vive el jazz en todo el mundo, el primer efecto derivado de la implantación y puesta en funcionamiento de semejante foro educativo ha sido el de insuflar entre los músicos neófitos el gusto por los aires clásicos del be-bop y la expulsión violenta de los heroicos autodidactas de antaño. [5]
 Había de llegar el momento en que el jazz entrara por las puertas grandes de la Universidad, lo que se consiguió, por fin y que sepamos por  vez primera en España, de manera regulada y estable, en la Politécnica de Catalunya (UPC), durante el curso académico 1993- 1994 como asignatura de libre elección (10% de créditos por carrera y año), y en concreto en la Escola Tècnica Superior d’Enginyers de Camins, Canals i Ports de Barcelona, a cargo del geólogo y químico de la misma Enric Vázquez i Ramonich, hombre ducho en jazz desde sus jóvenes años como crítico en la radio. Su curso versa de forma genérica sobre “Jazz: estética, experiència  i historia”, abarca dos cuatrimestres, cuenta con una media de 50 alumnos y además ha dado pie a la creación de una Mediateca de Jazz en la Biblioteca General. [6]
En julio del año 2000 se firmó un convenio entre la UPC y el Taller de Músics según el cual se crea un estudio anual dividido en tres niveles para la formación de músicos de jazz. El ingreso en dicho programa se hace a través de un examen de conocimientos musicales, que implican un estudio equivalente a 4 años de instrumento y saberes correspondientes. Además de Vázquez, la UPC aporta la tutela académica de Helio Piñón con su “Teoría de la modernidad artística”. Las clases empezaron a impartirse en el Taller de Músics, con los profesores Joan Munné, Víctor de Diego y Pep O’Callaghan (instrumento, conjunto instrumental), Vázquez (historia y estética del jazz en 3 niveles) el citado Piñón, Joan Chamorro, Cristina Canet, Ramón Civit y Martí Ventura (Teoría musical), Santi Galán (nuevas tecnologías y arreglos).
Es de desear que muy pronto podamos ver los frutos de algunos de estos alumnos que han pasado por dichas aulas en forma de la edición de unos anales o memorias, o quizá de alguna obra autónoma más ambiciosa que los estrictos trabajos de fin de cuatrimestre o curso. En fin que de las aulas universitarias, aunque no sólo de ellas, deberían salir nuevas generaciones de gente capaz (por conocimientos no sólo autodidactas) de reflexionar, escribir y publicar trabajos novedosos, actuales sobre el mundo plural y polisémico del jazz. [7]

A partir del año 2001, el Doctor y profesor del departamento de Historia de la Música de la Universidad de Barcelona, Jaume Carbonell i Guberna, empieza a impartir de manera regular y oficialmente la asignatura de Historia del Jazz. Fruto de esta labor surge la primera publicación en catalán sobre su historia: El Jazz clàssic i la seva història, publicada en el año 2011 por la editorial Galerada. Otra de las funciones que ha ejercido ha sido la de dirigir y participar como tribunal en numerosos trabajos de investigación sobre el jazz.
En este sentido también podemos hablar de un trasvase académico, en cuanto a la investigación jazzística en Valencia se refiere, ya que Jaume formó parte del tribunal evaluador de la tesis doctoral de Vicent Lluís Fontelles: Jazz a la ciutat de València: Orígens i desenvolupament fins a les acaballes del 1981”, tesis doctoral presentada en el Departament de Comunicació Audiovisual, Documentació i Història de l’Art, de la Universitat Politècnica de València, en Enero de 2010. Toda esta actividad investigatoria fructificó en Valencia en el año 2013 en el I Congreso internacional “El Jazz en España” en el centro cultural La Nau de la Universidad de Valencia.  La subdirección general de Música de CulturArts - Generalitat Valenciana y la Fundación Autor, junto con la Universitat de Valencia y la Universitat Politécnica de Valencia, organizan este congreso internacional y multidisciplinar, el primero que se dedica en España a la música de jazz. En él se han abordado cuestiones como la llegada del jazz a Europa y su introducción en España, los paralelismos y divergencias entre el jazz en España y Portugal, la introducción del género en diferentes ciudades y territorios, el análisis musical de sus diversos estilos, la relación del jazz con cuestiones políticas e ideológicas, su asimilación desde otras tradiciones musicales o el papel de algunos músicos destacados en el desarrollo del jazz en España. 
Podemos constatar que hablar de la historia de la formación jazzística en España es prácticamente hablar de Madrid y Barcelona, especialmente de esta última, y aunque sabemos que este tipo de formación se ha extendido por toda España de una manera u otra, especialmente por el norte  de esta, en este trabajo nos hemos centrado en estas dos ciudades haciendo especial hincapié en Barcelona como antecedente e influencia directa de la formación jazzística en Valencia que es el tema que nos ocupa en el presente trabajo. 
Queremos resaltar también el hecho de que en la bibliografía usada para documentar el siguiente apartado, solo hemos encontrado una referencia a esta cuestión en Valencia,  exactamente en el trabajo de Joaquim Romaguera El Jazz y sus espejos:
(...) En la década de los 90 se realizó una masterclass de jazz por el saxo tenor holandés Dick De Graaf en el Taller de Música Jove de València. [8]



[1] Mallofré, Albert: “Las academias privadas cambian la fisonomía musical del país”. La Vanguardia, 11 de enero de 1993.
[2] Romaguera, Joaquim: El Jazz y sus espejos. Volumen 2º. Ediciones de la Torre, Madrid 2002. pág. 224
[3] García Martínez, José Mª: Del Fox-Trot al Jazz Flamenco: El Jazz en España, 1919-1996. Madrid: Alianza Editorial, 1996. pág 224.
[4] Romaguera, Joaquim, 2002: Op. Cit., pág. 224
[5] García Martínez, José Mª, 1996: Op. Cit., pág. 224
[6] Romaguera, Joaquim, 2002: Op. Cit., pág. 230
[7] Romaguera, Joaquim, 2002: Op. Cit., Volumen 2º, pág. 231-232.
[8] Romaguera, Joaquim, 2002: Op. Ref., Volumen 2º, pág. 228 


3.     Los nuevos Estándars del Corredor Mediterráneo del Jazz


En el verano de 1938, Joaquín Rodrigo (1901-1999) fue invitado a impartir unas clases en la recién abierta Universidad de Santander; en el viaje de regreso a París, durante una cena en San Sebastián, Luis de Urquijo, marqués de Bolarque, propuso a Joaquín Rodrigo la composición de un concierto para guitarra y orquesta que podría interpretar Regino Sainz de la Maza, también presente en aquella velada. Finalizada la Guerra Civil, Rodrigo regresó definitivamente a España con el Concierto de Aranjuez ya compuesto. Su estreno tuvo lugar en Barcelona el 9 de noviembre de 1940, a cargo de la Orquesta Filarmónica de Barcelona, dirigida por César Mendoza Lasalle, y con Regino Sainz de la Maza como solista; posteriormente se presentó en Bilbao y unos meses después en Madrid, con el director Jesús Arámbarri. 8
Como ya hemos comentado, fue a partir de la primera edición impresa de la obra en 1949, que la partitura empezó a difundirse internacionalmente,  de suerte que es probablemente la obra española de todos los tiempos más escuchada en todo el mundo.
Entre 1959 y 60 fruto de la colaboración de Miles Davis con el arreglista Gil Evans, se  gravó "Sketches of Spain" (algo así como "Esbozos de España"), disco que se abre con una versión del "Concierto de Aranjuez" de Joaquín Rodrigo. Aunque la versión más popular que se ha configurado como un estándar jazzístico, sin lugar a dudas se registra en 1972, en la rearmonización de la amplia introducción que abre la pieza Spain del álbum Light as a  Feather segundo de la banda Return to Forever, dirigida por el pianista Chick Corea.  Esta pieza ha sido versionada multitud de veces por  su propio autor y por gran cantidad de músicos de jazz. 


Desde que en 1991 Paco de Lucia interpretara el Concierto de Aranjuez con la venia del propio autor Joaquín Rodrigo (como podemos apreciar en la portada del disco sentado junto a Paco) con la orquesta de Cadaqués bajo la batuta de Edmond Colomer, se han reactivado también las versiones del tema principal del segundo tiempo, por los interpretes del nuevo flamenco. Sin duda las versiones más abundantes vienen a través del estándar de Chick Corea Spain,  que ya había sido interpretado por primera vez en clave flamenca por Paco de Lucía y John McLaughlin en la década de 1980, posteriormente encontramos las versiones de Michel Camilo & Tomatito en el 2000, y la del propio Chick Corea con Paco de Lucia en el festival Vitoria-Gasteiz del 2001.
Igualmente queremos reseñar, volviendo a Valencia, la versión realizada por el guitarrista Ximo Tebar en su disco Son Mediterráneo editado por Warner Music Spain S.A en 1995, bajo el título En Aranjuez con tu amor, en un versión más bluesy que retoma la cuestión: “Jazz Mediterráneo versus Flamenco Jazz”. 



George Mraz: Bass, Gregor Huebner: Violín y Richie Beirach: Piano, grabaron en mayo de 2001 "En torno a Federico Mompou": (nominado al Grammy 2002): en una producción conjunta de ACT y WDR, una importante emisora de radio alemana, aunque la presentación al público fue el 20 de octubre del 2001 en Colonia. A partir de entonces, la banda realizó una gira por clubes y festivales de toda Europa.
Además de este trabajo, encontramos distintas versiones posteriores con influencias jazzísticas sobre la obra de Mompou: “Mompuana” del disco “Junjo” de la cantante  Esperanza Spalding, publicado el 4 de Abril de 2006 en Ayva Musica Producciones, “Mompiana”: Lluis Vidal Trío feat. Dave Douglas & Perico Sambeat (15 de Diciembre de 2009 en Universal Music Spain S.L.) “Mompou's Mood” de la  Companyia Elèctrica Dharma (15 de Septiembre de 2010 en Picap), los  “Tangos y Tanguillos a Mompou” del disco “Piano Ibérico” de  Chano Dominguez, inspirados en las obras Musica Callada I y III respectivamente,  publicado el 19 de Noviembre de 2010 en EMI Spain y por último Al voltant de Mompou, Daniel Picazo, Diego de Lera y Felipe Cucciardi Trio (Blau Records 2012). 



Hemos podido constatar que en 1949 se editó por primera vez la partitura del Concierto de Aranjuez del maestro Rodrigo y que posteriormente, entre 1959 y 60 fruto de la colaboración de Miles Davis con el arreglista Gil Evans, se  gravó Sketches of Spain, disco que se abre con una versión del Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo. Constituyendo este evento la primera relación entre música clásica valenciana y jazz internacional.
Posteriormente los años setenta han marcado el inicio de la aventura docente del jazz en nuestro país, en el año 1978, comenzó a funcionar en Barcelona el Aula de Música Moderna y Jazz, y en 1979 fue creado El Taller de Musics de Barcelona.
En la década de 1980, la apertura del Perdido Club de Jazz en Valencia, reactivó y asentó la primera generación de jazzistas valencianos.
Repasando la programación, se observa como en los primeros años el papel de la llamada primera ola del jazz valenciano fue fundamental. Se favoreció que músicos como el guitarrista Carlos Gonzálbez, los contrabajistas Lluís Llario y Salvador Faus, pianistas como Donato Marot, Joshua Edelman y Fabio Miano y el batería Paco Aranda pudieran tocar con músicos de fuera. [1]
Esta primera ola del jazz valenciano, allanó el camino de una segunda generación, los saxofonistas Perico Sambeat y Ramón Cardo, regresaron de estudiar en el Taller de Musics de Barcelona, resultando ambos piezas fundamentales del trasvase estilístico Barcelona-Valencia.
Centrándonos en el panorama actual del jazz valenciano, encontramos interesantes antecedentes difícilmente catalogables como el disco del saxofonista valenciano Perico Sambeat  junto al Cor de Cambra Lluís Vich:



[1] García Herraiz,  Federico. “Avui jazz”. Ajuntament de Vila-real - Regidoria de Museus 2006. Pág. 33. [Última consulta: 27/06/16] http://issuu.com/avuijazz/docs/libro_avuijazz_04_05/1

Discantus, - (THS & Sirio 19970004). 1997

Perico Sambeat (saxos alto y soprano) Josep LluisValldecabres (contratenor), Vicente Abril (tenor), Ignasi de Lequerica (tenor) Javier Mariu (tenor), Llorenç Medina (tenor),  Ricardo Sanjuán (tenor), Joaquim Martí (bajo), Antonio Sabuco (bajo), Jose Luis Vicente (bajo).
Toda la música escrita por compositores valencianos de ámbito religioso (algunos anónimos) entre los siglos 7º y 16º excepto Vera ratio, escrito por Perico Sambeat. Grabado en vivo en el Centre Cultural Beneficencia 6 y 7 de Octubre de 1997 por Thrill Solutions. Producido por Perico Sambeat. Dirección ejecutiva, Centre Cultural La Beneficència de la Diputación de Valencia. Aunque Joaquín Marti, nos habla en sus notas al programa del disco Discantus (1997) de lo incatalogable de su estética, pensamos que tiene un punto de unión fundamental con el disco Orquestra de Cambra Teatre Lliure and Lluis Vidal Trio de 1995, y es justamente la revisión de sus raíces populares autóctonas desde un punto de vista jazzístico y contemporáneo, aunando composición e improvisación. Si bien la mayoría de piezas de  Discantus están extraídas del cancionero popular de entre los siglos VII y XVI, (principalmente obras del Misteri d’Elx), la última pieza del disco Vera ratio, es una composición original de Perico, que extraída del contexto general del disco resulta de una contemporaneidad asombrosa.



Son Mediterráneo 1995: el final del “Perdido” y la consolidación del Son Mediterráneo

1995 fue el año en el que echó el cierre el Perdido Club de Jazz de Valencia, pero también el año en que ve la luz Son Mediterráneo, obra cumbre en la discografía de Ximo Tébar. Después del frenético comienzo de la década de los 90, en la que en tres años lanza cuatro discos, Ximo se toma un par de años, y el 23 de junio del 95,  Warner Music Spain lanza Son Mediterráneo.
Aunque los primeros estudios guitarrísticos de Ximo Tébar estuvieron relacionados con el flamenco, podemos afirmar que Ximo es un guitarrista de jazz, pero dentro de esta catalogación general, el peso específico que le diferencia de otros guitarristas coetáneos sin lugar a dudas es el blues.
No obstante, a pesar de todas estas interesantes aportaciones que ha realizado Ximo Tébar en el ámbito del Blues, normalmente se le suele catalogar como el creador del Son Mediterráneo, a la hora de valorar su principal aportación al jazz.

A esta peculiar amalgama entre blues, bop, samba, flamenco, pop y musica tradicional valenciana es lo que se denomina como Son Mediterráneo, y por extensión a todo el disco del mismo nombre. En él podemos encontrar todo tipo de relaciones entre el nuevo flamenco puro y duro del corte nº8 Bulería, a la que se añade la guitarra jazzística, pasando por la Pesadora de Albaicín, de carácter más progresivo, que realmente es la pieza que inauguró esta estética en 1990 en el disco Anís del Gnomo, en la que participaron Jorge Pardo a la flauta y el “Peti” al cante, y en la que Ximo hace alarde del blues más puro sobre fraseos alterados con tendencia atonal. Son muchas las gradaciones que este disco contiene entre el flamenco y el jazz mediterráneo, si consideramos a este último como una implementación de las músicas populares autóctonas con el jazz, como en el evidente caso de la pieza a guitarra sola que cierra el disco: La Moixeranga música de la festividad de la Mare de Déu de la Salut d’Algemesí (la Ribera Alta).




4.     Las primeras big bands en Valencia

Jose Luis Granell es el artífice de la primera big band estable  de Valencia, la Jove Jazz Band, creada en 1984, así como de la primera big band universitaria creada en 1998, la B.B.U. Los primeros esfuerzos por montar big bands, también fueron recogidos en el Perdido Club de Jazz: la “Jove Jazz Band”, que dirigía Jose Luis Granell, se presentó el 13 de marzo de 1985. Y la “Big Band Jazz Valencia”, montada por Ramón Cardo, el 14 y 21 de abril de 1988. 

Per l’altra banda: Ramón Cardo big band 2002

Por primera vez una big band valenciana dedica un disco a composiciones propias, en este caso escritas y arregladas por los saxofonistas Ramón Cardo, José Luis Granell y Jesús Santandreu y el guitarrista Daniel Flors. La prestigiosa revista Cuadernos de Jazz eligió este trabajo como el mejor disco español de jazz de 2003.[1]

Cuando toqué por primera vez con la banda de Godella, donde nací y empecé mi carrera musical, tuve una sensación placentera que es difícil de describir con palabras y que, por otra parte, todo músico que haya formado parte de cualquier tipo de banda conoce. Escucharme arropado por otros sonidos, comprobar la magnitud del resultado, descubrir que lo que uno toca forma parte indispensable del todo, produce una inmensa felicidad. Me sentí tan pletórico que esa experiencia marcó mi trayectoria dentro de la música, y con el paso del tiempo volví a encontrar la misma emoción en situaciones diferentes, como cuando escuché por primera vez a los Jazz Messengers de Art Blakey, o cuando me senté en la sección de saxos de la Big Band del Taller de Músics de Barcelona, y en muchas otras ocasiones en las que he colaborado con formaciones y músicos de todo tipo. Eso sí, casi siempre ha coincidido con circunstancias en las cuales había una notable presencia instrumental.[2]



[1] Se puede escuchar el disco en la siguiente lista de reproducción de spotify:
[2] Caratula del disco Per L'altra banda Valencia: Institut Valencià de la Música, D.L. (2003). 



Metalls D’estil (Ramón Cardo) 2013
El canto de raíces, la música contemporánea y el jazz se encuentran en el nuevo proyecto de Spanish Brass Luur Metalls, reza un artículo del periódico “El País” con motivo de la presentación del último trabajo del grupo con influencias de Tercera Corriente, esta vez con una nueva vuelta de tuerca, la inclusión de la música popular valenciana en el proyecto. Transcribimos a continuación parte del citado artículo:
"Todos salen ganando, tanto la música contemporánea como el canto de estilo", asegura el trombonista Inda Bonet, miembro del quinteto valenciano Spanish Brass Luur Metalls, cuando le preguntamos por la aparente contradicción que existe entre una jota valenciana y la música que ellos hacen. Hay que advertir que Jota improvisada es una de las nueve piezas de música tradicional que integran el álbum titulado Metales de Estilo, en el que colaboran este quinteto de vientos radicado en Bétera (Valencia), el cantaor Pep Gimeno Botifarra y Ramón Cardo, saxofonista, profesor de conservatorio y director de big band de jazz.
El disco se grabó en directo en el Teatro Auditorio de Catarroja  el 2 de marzo del 2013. Dos días después, se hicieron las sesiones de estudio para completar la grabación en directo.  Este trabajo parte de la necesidad de la formación de presentar proyectos especiales, en este caso  la pieza número 100 que Spanish Brass Luur Metalls ofreció en el Festival de Alzira que lleva su propio nombre, que junto al Festival BrasSurround que se realiza en la también valenciana población de Torrent,  han constituido la excusa para el encargo y la creación de la mayoría de trabajos que hemos analizado en este capítulo.
Sugiere también Bonet que la clave del resultado alcanzado radica en la tarea de composición y arreglos efectuada por Ramón Cardo a partir de una selección del repertorio del cantaor setabense. Spanish Brass Luur Metalls ha trabajado previamente en formatos de lo más dispares, como un quinteto de metales con trío de jazz. Cardo subraya que en el jazz se han derribado muchos tabúes a la hora de relacionar músicas distintas y que el camino de Metales de estilo estaba abierto. De hecho, él mismo tiene detrás una experiencia de big band de jazz con el cantaor José Aparici Apa.
Realmente existe cierta tradición en Valencia con respecto a la fusión entre estos tres elementos: cant d’estil, jazz y música de bandas, además de diversas colaboraciones  del cantaor José Aparici “Apa” con Big Band de Jazz, el ensemble de saxos contemporáneo “Saxaes” realizó en el 2009 la grabación del disco  Saxaes&Amics (Sedajazz Records), en el cual colaboran e interactúan músicos de jazz con músicos y cantaores de Cant d’Estil. En 2006 el dolçainer Xavier Richart editó el cd “Vent de Llevant” bajo la producción del pianista de jazz valenciano Ricardo Belda. En el año 2013, Spanish Brass encarga al saxofonista y compositor de jazz valenciano Ramón Cardo, un proyecto entorno a la música tradicional valenciana y el jazz, esta vez con la colaboración del “cantaor” Pep Gimeno “Botifarra”, y en 2015 el pianista de jazz valenciano Albert Sanz estrena La Suite de  L’emigrant, en donde podemos encontrar la fusión del jazz con músicas de raíces de la mano del cantaor de Gandía Carles Dènia.
Para Ramón Cardo, la música valenciana de raíces es un poco más que familiar. "Yo empecé como cantante cuando era todavía un niño", recuerda. Como músico de jazz, una parte del trabajo importante en este proyecto ha sido de carácter armónico, porque las armonías del repertorio interpretado son muy básicas.  Pero el reto principal ha sido trabajar los diferentes palos sin guitarras ni percusión, que son los instrumentos característicos de acompañamiento en esta música, y adaptarlo a un grupo exclusivamente de vientos. [1]
Resulta curioso observar la siguiente apreciación: ninguno de los autores entrevistados ha visto una relación directa entre la inclusión de los estudios de jazz en el conservatorio superior de Valencia en el año 2009 y la evidente profusión de trabajos jazzísticos con influencia de las músicas clásicas y populares que se han realizado en los aledaños de esa fecha, multiplicándose  substancialmente con la llegada de la segunda década del siglo XXI. Queremos resaltar desde este trabajo que no pensamos que este hecho sea casual, y justamente una vez más observamos que este acercamiento de la música popular valenciana  a las “músicas cultas” clásicas y jazzísticas, ha precedido de nuevo a la inclusión del “Cant d’Estil” y las músicas populares valencianas en los conservatorios profesionales de música en Valencia.
Trascribimos a continuación parte de otro artículo de Juan Manuel Játiva para el periódico “El País”.
“El cante tradicional valenciano entra en el conservatorio”
El tradicional cant d´estil valenciano será una especialidad en los conservatorios profesionales de música de la Comunidad Valenciana, tras ser aprobado por la Comisión General de Educación, que se ha reunido este viernes en Madrid. Así lo ha anunciado la Consejera de Educación y Cultura, María José Català. El próximo paso es la tramitación de un decreto que incluye esta especialidad en las enseñanzas profesionales de música. “Estamos muy satisfechos porque ésta era reivindicación histórica de los colectivos de cant d´estil valencià y es un gran paso para poder conservar la música tradicional valenciana y difundirla”, ha asegurado la consejera. “Hemos defendido ante la Comisión que el Cant d´Estil posee un gran valor social y de identidad y que es un vínculo de comunicación en la vida tradicional de la Comunitat Valenciana”, ha afirmado Català. En este sentido, la Generalitat subraya el interés por crear un espacio propio para el cant valencià, que "permita el estudio, la investigación, la protección, y en consecuencia, la enseñanza y preservación del canto autóctono por excelencia, como elemento de identidad y uno de los más valiosos de nuestro patrimonio".
Como ya hemos expresado en la introducción de este trabajo, no sabemos exactamente qué criterios se han seguido para introducir los estudios  superiores de jazz  directamente en el conservatorio sin que existan unos estudios de grado profesional previos, como en el caso del cant d´estil  y las músicas populares, pero el hecho es que en la actualidad ambas enseñanzas cuentan en una u otra medida de un estatuto oficial en Valencia.
Como han señalado expertos conocedores de este canto popular, no se puede enseñar ni aprender del mismo modo que la música culta del conservatorio. En el cant d'estil la voz se emite de forma natural y no impostada y la afinación es distinta en este caso.  Se trata de melodías modales, con unas posibilidades sonoras diferentes de las tonales propias del sistema culto occidental. [2]
Esta última apreciación es relativa, como nos demuestran los trabajos citados en este capítulo[3], pues a día de hoy “el sistema culto occidental” comprende todo tipo de lenguajes contemporáneos, indudablemente, entre ellos también el jazz.



[1] Juan Manuel Játiva 26 jun 2013. [Última consulta: 28/06/16]
[2] Juan Manuel Játiva.15/11/13 [Última consulta: 28/06/16]  
[3] Se puede escuchar el Cd Metalls D’estil en la siguiente dirección: [Última consulta: 28/06/16]



L’emigrant  para Bigband. (2015)

 Con este trabajo presentado en el Festival de Jazz del Palau de la Música de Valencia el 10 de julio del 2015, Albert Sanz al frente de la big-band de Sedajazz completa su trilogía third stream iniciada con El Fabulador (Albert Sanz y los Once Dedos 2004). 
Este disco de “Albert Sanz y los Once Dedos”, fue la cuarta entrega de la serie Xàbia Jazz, promovida por el IVM. Una vez más podemos establecer un paralelismo entre la historia general del jazz y la local, así como la tercera corriente estuvo precedida, en cierto sentido, por el Cool Jazz, y su búsqueda de una sonoridad orquestal ampliada, este trabajo de Albert Sanz, crea un precedente en la búsqueda de esta misma sonoridad, que se desarrollará posteriormente en su trabajo Russafa Ensemble, cuya presentación se realizó en el marco del 33º festival internacional de música contemporánea Ensems 2011, creando sin duda un hito en el encuentro del jazz y la musica clásica contemporánea en Valencia. Entre las principales características musicales que definen al autor podemos destacar: la amalgama de compases y la ruptura de la rítmica tradicional en contextos jazzísticos, la búsqueda de nuevas plantillas con la inclusión de instrumentos “clásicos” no tradicionales en el jazz, la búsqueda de un lenguaje compositivo libre a través del eclecticismo de técnicas y estéticas empleadas, donde conviven atonalidad, polimodalidad  y politonalidad, sin renunciar a atractivas partes cantábiles con incursiones tonales. También hemos podido comprobar como la forma suite se manifiesta como la predilecta por parte de varios de los autores analizados, y que en el caso de Albert Sanz se desarrolla ampliamente en su último trabajo: La Suite de  L’emigrant (2015), en donde por un lado podemos encontrar “la suite” en sí, con cierta unidad estilística, que da paso a una segunda parte más ecléctica, donde destaca la multiculturalidad y la fusión con músicas de raíces de la mano de la cantante hindú Ganavya Doraiswamy y el cantaor de Gandía Carles Dènia, como resumen del viaje iniciático de “l'Emigrant”.

5.     Eclosión de la obra sinfónica de Jesús Santandreu
A partir del año 2010 la carrera musical de Jesús Santandreu da un vuelco, revelándose como uno de nuestros más prometedores compositores de música sinfónica para ensemble de viento con los estrenos de sus obras Sortes Diabolorum que estrenó en Brasil la “Orquesta de Sopros Brasileira-Banda Sinfónica” el día 28 de Mayo de 2010,  dirigida por el maestro Darío Sotelo y La Noche de Brahma, que fue elegida Obra Obligada para la Sección 1ª dentro del Certamen Internacional de Bandas de Música de Valencia 2010, constituyendo una especie de reconocimiento oficial a su trabajo por parte de las instituciones de su ciudad de origen, trabajo profundamente enraizado en el mundo jazzístico y que se ve consolidado en esta vía intermedia entre jazz y música clásica, con sus posteriores obras: Think of Jazz, concierto para sexteto de jazz, banda sinfónica y coro que se estrenó en el acto de clausura de la XII edición de “Com Sona l’ESO”, el  día 13 de mayo del 2011 en la plaza de toros de Morella (Castellón)  y Oneiric Discourse concierto para saxofón tenor y ensemble sinfónico de vientos, encargo del maestro Mathew George para la Universidad de St. Thomas en Minnesota que se estrenó el  23 de octubre  de 2011.
Estas obras y su constante línea de formación y trabajo, van a asentar a Jesús Santandreu como el más importante compositor de música de tercera corriente jazzística, en el panorama de la música actual en Valencia, con la particular característica autóctona que supone la revalorización y modernización del repertorio de nuestras tradicionales Bandas de Música.
J.S. Yo afirmaría que el primer acercamiento real al jazz en el certamen de bandas sinfónicas de Valencia aconteció en 2001 con la obra de Gregory Fritze Variaciones Sinfónicas. El segundo movimiento de esta pieza Scherzo tenía una sección improvisada para saxo tenor donde destacaba una cadencia libre totalmente improvisada. Muy bien integrado al lenguaje bandistico, por cierto, por parte del Dr. Fritze.[1]
Al respecto de esta cuestión hemos podido establecer un nexo de unión en el triángulo: Gregory Fritze,  Rafael Sanz-Espert, Jesús Santandreu, como máximos responsables del incipiente movimiento de tercera corriente que se está asentando en la comunidad valenciana en el ámbito de las tradicionales bandas de música.



[1]Santandreu, Jesús. Entrevista 2013.


 Su primera relación con la actualidad musical española surge en 1988, cuando a petición de una banda valenciana (dirigida por el maestro Francisco Carreño Garrido) compuso la pieza Festival Overture. En 1993, viaja a España para conocer al maestro Carreño en Buñol. A raíz de este encuentro la figura de Gregory Fritz se asociará  al panorama musical español (y sobre todo valenciano), una relación que sigue muy viva en la actualidad, ya que es uno de los principales pilares y figuras del campus de la Berklee College of Music en Valencia.

Think of Jazz (2011)


El estreno de la obra Think of Jazz, concierto para sexteto de jazz, banda sinfónica y coro, aconteció en el acto de clausura de la XII edición de “Com Sona l’ESO”[1], el día 13 de mayo del 2011 a las 22:00 en la plaza de toros de Morella (Castellón). Think of Jazz fue una composición encargada por el equipo organizador de “Com sona l’ESO”. Este encuentro musical nació en el año 2000, con el impulso de profesores que impartían la docencia en la Comunidad Valenciana, Cataluña y las Islas Baleares.  La cita sirve como reivindicación de la importancia de la música, ya que ha tenido papel secundario durante muchos años en la ESO. Durante los días que dura “Com sona l'ESO”, los alumnos ponen en práctica las propuestas y proyectos didácticos que se han llevado a cabo en el aula y, que de esta forma tienen una continuidad y puedan darse así a conocer y ser fuente de futuras propuestas. El sexteto jazzístico encargado del estreno estuvo formado por: Albert Palau al piano, Felip Santandreu a la batería, Alessandro Cessarini al contrabajo, Toni Belenguer al trombón, Voro García a la trompeta y Jesús Santandreu al saxo tenor.
Think of Jazz es una pieza concertante que basa su desarrollo partiendo de un intervalo de 5ª. Toda la introducción contiene el código genético del desarrollo de la obra en su totalidad y las melodías generalmente forman un contorno bastante angular. La parte sinfónica tiene una presencia de igual relevancia a la del sexteto solista y cada componente del grupo de jazz tiene a su vez intervenciones solistas improvisadas dentro de una estructura armónica. Básicamente la obra se compone de 4 exposiciones de temas diferentes (consecuencia del desarrollo de la idea original o temas anteriores) con sus desarrollos y transfiguraciones.
El lenguaje de la pieza viene dado por incursiones en el Hard Bop de forma general. La parte orquestal tiene un nivel medio de dificultad y está escrita en un lenguaje académico tradicional completamente comprensible. Es una pieza muy fácil de entender para los intérpretes de la banda que no estén demasiado familiarizados con el lenguaje del jazz pero que requiere un sexteto de jazz con jazzistas profesionales; buenos solistas y buena sección rítmica. La pieza dura alrededor de 22 minutos. Para el estreno, se contará con tres coros sumando 800 estudiantes de ESO y la banda sinfónica de “Com Sona L’eso”, compuesta por los estudiantes músicos de enseñanza secundaria. Las dos versiones de la letra, una en valenciano-catalán y otra en inglés fueron compuestas por Vicen Tormo. Los asesores para la parte de Body Music fueron Mamen Bautista y Moisés Bautista. El Honorable Maestro Alexis Calvo (gratitud por todas sus inteligentes y valiosas observaciones) dirigirá Think of Jazz. [2]
Aquí tenemos un claro ejemplo de third stream valenciano, donde se combinan por parte de Jesús Santandreu la tradición hard bop heredada de la época del Perdido Club de Jazz, con la tradición sinfónica bandística valenciana, para crear algo nuevo, fresco y distinto, sin duda una tercera corriente. [3]



[1] Enseñanzas Secundarias Obligatorias.
[2] Jesús Santandreu 13 de mayo de 2011 www.facebook.com/jesus.santandreu [Última consulta: 28/06/16]. Se puede escuchar la obra en la siguiente dirección de YouTube: https://youtu.be/xZCZ4W0lu7s


Oneiric Discourse (2011)

A pesar de que ambas obras Oneiric Discourse y Think of Jazz están compuestas a la par, poseen una diferencia sustantiva, mientras Think of Jazz estaba pensada para ser interpretada junto a alumnos de la ESO, Oneiric Discourse, según leemos en las notas al estreno de José Buenagu, es un concierto para sí mismo. Sin duda, este hecho, a pesar de que ambas obras tienen también varias coincidencias, eleva a  Oneiric Discourse como obra cumbre del third stream valenciano hasta la fecha.
 Esta obra que también se planifica sobre una formación estándar para banda, incluye además contrabajo y piano integrados en la plantilla general. Así pues el saxofón tenor interpretado por Jesús Santandreu es el único instrumento con un tratamiento jazzístico, pero éste está elevado a muy altas cimas, suponiendo justamente este hecho un problema a la hora de editar la partitura, ya que numerosos pasajes de la obra son improvisados por el autor, el que nos ha declarado no disponer aún de una partitura definitiva para la parte del solista.
Una vez más, a pesar de que el propio autor nos declara en la entrevista realizada para este trabajo, que no ve ninguna relación entre la inclusión de los estudios de jazz en el conservatorio superior de Valencia el año 2009, y la eclosión de su obra sinfónica, a partir de la elección de su obra   la Noche de Brahma como pieza obligada en el Certamen Internacional de Bandas "Ciudad de Valencia" en el año 2010, las fechas de sus principales trabajos hablan por sí solas:

-          2007 Out of de Cage
-          2008 Sound Colors
-          2008 Neumatofonía
-          2009 Inclusión de los estudios de jazz en el conservatorio superior de Valencia
-          2010 Sortes Diabolorum
-          2010 La Noche de Brahma. Obra obligada del Certamen   Internacional de Bandas Ciudad de Valencia
-          2011 Think of Jazz
-          2011 Oneiric Discourse
Analizando objetivamente la obra de Jesús Santandreu correspondiente al final de la primera década del siglo XXI, podemos observar claramente que sus discos de los años 2007 y 2008, son netamente jazzísticos, aunque, como ya hemos dicho, con un fuerte ingrediente intelectual y experimental que lo relacionan directamente con el afán y objetivos de la tercera corriente. Al final del año 2008 y por encargo del IVM, compone su obra Neumatofonía para el disco Brassiana de Spanish Brass Luur Metals en colaboración con Ramón Cardo y Lluís Vidal, máximo responsable del trasvase third stream a Valencia. Podemos considerar esta obra claramente como de transición, ya que en ella se concentra el trabajo del quinteto de metales con el trío de jazz, que en su estreno original corrió a cargo del propio Lluís Vidal Trío, con David Xirgu, batería de la Orquesta del Teatre Lliure, donde a su vez también residió Ramón Cardo.
A partir del año 2009, año de la inclusión de las enseñanzas superiores de jazz en el conservatorio superior de Valencia, la obra de Jesús Santandreu se torna rabiosamente sinfónica, con destellos e influencias místicas y orientalizántes, cómo podemos observar en sus títulos y en los comentarios de las ediciones de sus partituras: Velo de Isis, Sortes Diabolorum y La Noche de Brahma.
Como hemos podido contrastar con el autor en la entrevista que le hemos realizado, justamente, su adscripción a la tercera corriente no viene por el hecho en sí de tocar o no obras de jazz, sino por la inclusión y la fusión de las técnicas de composición de música clásica contemporánea con el espíritu y las técnicas jazzísticas, creando una tercera vía que no es expresamente ni la una cosa ni la otra, pero comparte con ambas sus principales características.  Y por fin después de su reconocimiento oficial del año 2010, en el 2011 sus obras Think of Jazz y Oneiric Discourse, se tornan cien por cien third stream, combinando formaciones jazzísticas con ensemble sinfónico e improvisación con composición, y asentando a Jesús Santandreu como el máximo exponente third stream en Valencia.




6.     Conclusiones

Hemos podido constatar que en 1949 se editó por primera vez la partitura del Concierto de Aranjuez del maestro Rodrigo y que posteriormente, entre 1959 y 60 fruto de la colaboración de Miles Davis con el arreglista Gil Evans, se  gravó Sketches of Spain, disco que se abre con una versión del Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo. Constituyendo este evento la primera relación entre música clásica valenciana y jazz internacional.
Posteriormente los años setenta han marcado el inicio de la aventura docente del jazz en nuestro país, en el año 1978, comenzó a funcionar en Barcelona el Aula de Música Moderna y Jazz, y en 1979 fue creado El Taller de Musics de Barcelona.
En la década de 1980, la apertura del Perdido Club de Jazz en Valencia, reactivó y asentó la primera generación de jazzistas valencianos. Esta primera ola del jazz valenciano, allanó el camino de una segunda generación, los saxofonistas Perico Sambeat y Ramón Cardo, regresaron de estudiar en el Taller de Musics de Barcelona, resultando ambos piezas fundamentales del trasvase estilístico Barcelona-Valencia.
Este trasvase estilístico se plasmó en la creación de un incipiente “Corredor Mediterráneo del Jazz” en las últimas décadas del siglo XX, en donde Valencia aportaba material humano y Barcelona estructura cosmopolita y estética. Auspiciado  por su ferviente  “Layetanismo” radicado en su sala Zeleste,  probablemente, fue en este momento histórico donde se fraguó un gusto mediterráneo en el jazz y las músicas urbanas, diferenciado del germen madrileño iniciado por Pedro Iturralde, (que devendría en la estética conocida como flamenco jazz), y con lo popular como centro de atención y lo mediterráneo como elemento característico y diferenciador. De ahí surgieron los “nuevos estándars del corredor mediterráneo del jazz” basados en las músicas clásicas de los maestros Rodrigo y Mompou, que a su vez bebían de las músicas populares, o directamente de estas músicas populares, como la Moixeranga del disco “Son Mediterráneo” de Ximo Tébar, o las versiones del Misteri d’Elx de Perico Sambeat, o los fandangos del Metalls d’estil de Ramón Cardo, o las Canciones y Danzas “mompianas” del Daniel Picazo Trio.  
Todos estos trabajos tiene un punto de unión fundamental con el disco fundacional: Orquestra de Cambra Teatre Lliure and Lluis Vidal Trio de 1995, y es justamente la revisión de sus raíces populares autóctonas desde un punto de vista jazzístico y contemporáneo, aunando composición e improvisación.
En esta dirección resultan reveladoras estéticas como el “Son Mediterráneo” del aludido guitarrista valenciano Ximo Tébar en este mismo año de 1995 y que han tenido su resonancia actual en trabajos como las “Mediterrànies” de Albert Sanz.
Este “Corredor Mediterráneo del Jazz”, que se creó vía Taller de Musics con la figura de Lluís Vidal como centro del triángulo Boston, Barcelona, Valencia está expandiéndose por toda Andalucía en el s.XXI,  de camino por Clasijazz en Almería con el estreno del “Epitaph” de  Mingus de la mano de su director  titular Ramón Cardo, de las versiones andaluzas de los Conciertos Sacros de Ellington dirigidos por Perico Sambeat.  Finalmente ha llegado a AsseJazz  en Sevilla con el  estreno por parte de la Andalucía Big Band del “Compendium” de Jesús Santandreu, relaciones estas que igualmente revertieron en la figura del Malagueño  Ernesto Aurignac  y de sus estreno de Charlie Parker with Strings y con las obras magnas, netamente third stream  del saxofonista: “Uno” y “Dos” que viene de camino por ese corredor que transitan en ambas direcciones los músicos de jazz valencianos y andaluces.  Así pues, si durante el final del siglo XX, Valencia recibió la influencia de Barcelona, sin duda durante el inicio del siglo XXI es Valencia quien está ejerciendo esta influencia decisivamente por toda Andalucía.
¿Qué elementos han coincidido en el auge y la independencia estética del Jazz Valenciano? Realmente existe cierta tradición en Valencia con respecto a la fusión entre estos tres elementos: cant d’estil, jazz y música de bandas. En 2006 el dolçainer Xavier Richart editó el cd “Vent de Llevant” bajo la producción del pianista de jazz valenciano Ricardo Belda, además de diversas colaboraciones  del cantaor José Aparici “Apa” con Big Band de Jazz, el ensemble de saxos contemporáneo “Saxaes” realizó en  2009 la grabación del disco  Saxaes&Amics (Sedajazz Records), en el cual colaboran e interactúan músicos de jazz con músicos y cantaores de Cant d’Estil. En el año 2013, Spanish Brass encarga al saxofonista y compositor de jazz valenciano Ramón Cardo, un proyecto entorno a la música tradicional valenciana y el jazz, esta vez con la colaboración del “cantaor” Pep Gimeno “Botifarra”, y en 2015 el pianista de jazz valenciano Albert Sanz estrena La Suite de  L’emigrant, en donde podemos encontrar la fusión del jazz con músicas de raíces de la mano del cantaor de Gandía Carles Dènia.
A partir del año 2010 la carrera musical de Jesús Santandreu da un vuelco, revelándose como uno de nuestros más prometedores compositores de música sinfónica para ensemble de viento con los estrenos de sus obras Sortes Diabolorum que estrenó en Brasil la “Orquesta de Sopros Brasileira-Banda Sinfónica” el día 28 de Mayo de 2010,  dirigida por el maestro Darío Sotelo y La Noche de Brahma, que fue elegida Obra Obligada para la Sección 1ª dentro del Certamen Internacional de Bandas de Música de Valencia 2010, constituyendo una especie de reconocimiento oficial a su trabajo por parte de las instituciones de su ciudad de origen, trabajo profundamente enraizado en el mundo jazzístico y que se ve consolidado en esta vía intermedia entre jazz y música clásica, con sus posteriores obras: Think of Jazz, concierto para sexteto de jazz, banda sinfónica y coro que se estrenó en el acto de clausura de la XII edición de “Com Sona l’ESO”, el  día 13 de mayo del 2011 en la plaza de toros de Morella (Castellón)  y Oneiric Discourse concierto para saxofón tenor y ensemble sinfónico de vientos, encargo del maestro Mathew George para la Universidad de St. Thomas en Minnesota que se estrenó el  23 de octubre  de 2011.
Estas obras y su constante línea de formación y trabajo, van a asentar a Jesús Santandreu como el más importante compositor de música de tercera corriente jazzística, en el panorama de la música actual en Valencia, con la particular característica autóctona que supone la revalorización y modernización del repertorio de nuestras tradicionales Bandas de Música.
Aquí tenemos un claro ejemplo de third stream valenciano, donde se combinan por parte de Jesús Santandreu la tradición hard bop heredada de la época del Perdido Club de Jazz, con la tradición sinfónica bandística valenciana, para crear algo nuevo, fresco y distinto, sin duda una tercera corriente.
Al respecto de esta cuestión hemos podido establecer un nexo de unión en el triángulo: Gregory Fritze,  Rafael Sanz-Espert, Jesús Santandreu, como máximos responsables del incipiente movimiento de tercera corriente que se está asentando en la comunidad valenciana en el ámbito de las tradicionales bandas de música.
Resulta curioso observar la siguiente apreciación: ninguno de los autores entrevistados ha visto una relación directa entre la inclusión de los estudios de jazz en el conservatorio superior de Valencia en el año 2009 y la evidente profusión de trabajos jazzísticos con influencia de las músicas clásicas y populares que se han realizado en los aledaños de esa fecha, multiplicándose  substancialmente con la llegada de la segunda década del siglo XXI. Queremos resaltar desde este trabajo que no pensamos que este hecho sea casual, y justamente una vez más observamos que este acercamiento de la música popular valenciana  a las “músicas cultas” clásicas y jazzísticas, ha precedido de nuevo a la inclusión del “Cant d’Estil” y las músicas populares valencianas en los conservatorios profesionales de música en Valencia.
Como ya hemos expresado en la introducción de este trabajo, no sabemos exactamente qué criterios se han seguido para introducir los estudios  superiores de jazz  directamente en el conservatorio sin que existan unos estudios de grado profesional previos, como en el caso del cant d´estil  y las músicas populares, pero el hecho es que en la actualidad ambas enseñanzas cuentan en una u otra medida de un estatuto oficial en Valencia.
Así pues, y volviendo a las preguntas iniciales que han generado el presente artículo: ¿constituye el jazz un motor de evolución y acercamiento entre las distintas culturas musicales tradicionales, clásicas, y populares? Evidentemente, hemos demostrado en el presente artículo, que no solo el jazz valenciano ha constituido un motor de evolución y acercamiento entre las distintas culturas musicales tradicionales, clásicas, y populares, sino que además en el transito del siglo XX al XXI ha expandido su influencia en un Corredor Mediterráneo del Jazz por toda la costa mediterránea española, incluso esta influencia del jazz valenciano ha saltado el estrecho, y a través de Berklee Valencia está influyendo plenamente en los músicos canarios radicados en Valencia como Polo Ortí o David Minguillón. Ahora bien, ¿Cómo se ha reflejado este auge y aumento de la influencia del jazz valenciano en su propio sistema de enseñanza territorial? ¿Qué idiosincrasia ha generado el hecho de haber implementado unas enseñanzas superiores de jazz sin que previamente existieran unas enseñanzas profesionales?, justo con un itinerario  contrario a la inclusión de las enseñanzas de “Cant d’Estil” y músicas populares. ¿Recogen los estudios valencianos de jazz, su riqueza cultural especifica en una transversalidad propia como la reflejada en sus bandas de música autóctonas? 
Es por estas cuestiones que instamos al Consell Valencia de Cultura, como máximo organismo consultivo en materia cultural del gobierno de la Comunitat, a realizar un informe comparativo sobre los resultados obtenidos en esta década de implantación de los estudios oficiales de jazz y músicas populares, que reflexione sobre la adecuación de los itinerarios recorridos y la asunción de una transversalidad que deviene como el auténtico sello característico del jazz valenciano: tradición y modernidad en el siglo XXI. 

7.     Referencias

CARDO RAMÓN. Caratula del disco Per L'altra banda Valencia: Institut Valencià de la Música, D.L. (2003). 
FRITZE, GREGORY. Entrevista 2015. 
GARCÍA HERRAIZ,  FEDERICO. “Avui jazz”. Ajuntament de Vila-real - Regidoria de Museus 2006. Pág. 33. http://issuu.com/avuijazz/docs/libro_avuijazz_04_05/1 [Última consulta: 27/06/16]
GARCÍA MARTÍNEZ, JOSÉ Mª: Del Fox-Trot al Jazz Flamenco: El Jazz en España, 1919-1996. Madrid: Alianza Editorial, 1996.
JUAN MANUEL JÁTIVA. 26 jun 2013. [Última consulta: 28/06/16]
JUAN MANUEL JÁTIVA.15/11/13 [Última consulta: 28/06/16]  
MALLOFRÉ, ALBERT: “Las academias privadas cambian la fisonomía musical del país”. La Vanguardia, 11 de enero de 1993.
ROMAGUERA, JOAQUIM: El Jazz y sus espejos. Volumen 2º. Ediciones de la Torre, Madrid 2002. 
SANTANDREU, JESÚS. 13 de mayo de 2011 www.facebook.com/jesus.santandreu  [última consulta: 28/06/16]. Se puede escuchar la obra en la siguiente dirección de YouTube: https://youtu.be/xZCZ4W0lu7s
SANTANDREU, JESÚS. La Noche de Brahma. www.nuestrasbandasdemusica.com “La obra del mes” 03/06/11 Se puede escuchar la obra en la siguiente dirección Web: http://www.nuestrasbandasdemusica.com/secciones/secciones-nbm/la-obra-del-mes/570-la-noche-de-brahma-de-jesus-santandreu.html [última consulta 12/10/2014] 
SANTANDREU, JESÚS. Entrevista 2013.